Luna di carta

2011-01-25T16:47:00.004+01:00

FILMARE LA MORTE - IL CINEMA HORROR E THRILLER DI LUCIO FULCI

Autore: As Chianese, Gordiano Lupi

Casa editrice: Edizioni Il Foglio, Piombino, 2006

Collana: Cinema

Pagine: 130

Formato: 19 x 12.5

Prezzo: € 12

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa a due voci

Filmografia

Schede monografiche dei film horror e thriller di Lucio Fulci

Appendici

Nota sugli autori

Appendice fotografica

Le mie riserve su questo libro sono tre.
Vado ad elencarle in ordine di problematicità crescente. In primo luogo i refusi sono decisamente troppi, un vero e proprio sabotaggio nei confronti dello stile semplice e scorrevole adottato dagli autori. In secondo luogo – sulla falsariga di certi scritti di Tentori – Chianese e Lupi tendono ad applicare i dettami della politique des auteurs in modo un po' fanatico: tutti i film di Lucio Fulci sono belli in quanto tali, anche quelli che nemmeno l'avvocato del Diavolo accetterebbe di difendere. Intendiamoci, ognuno ha i suoi idoli, tuttavia Filmare la morte manca della cosiddetta “distanza critica”, tanto che la monografia sconfina spesso nell'agiografia (da questo punto di vista è stata intelligente la scelta editoriale di riequilibrare i giudizi attraverso un'intervista al più scettico Dardano Sacchetti). Infine, l'aspetto che ho trovato più fastidioso è l'eccessivo spazio dedicato alle sinossi delle trame: personalmente avrei preferito un approfondimento dei veri problemi posti dalla parabola discendente della carriera fulciana (per esempio i rapporti tra cinema di genere e committenza televisiva tra fine anni '80 e inizio '90).

Michael Guarneri

2010-08-23T14:27:00.007+02:00

SHOHEI IMAMURA

Autore: James Quandt (a cura di)

Casa editrice: Toronto International Film Festival Group, Toronto, 1997

Collana: -

Pagine: 192

Formato: 15 x 21

Prezzo: -

Lingua: Inglese

Indice:

Pigs, Pimps and Pornographers: A brief Introduction to the Films of Shohei Imamura, di J. Quandt

Notes for a Study on Shohei Imamura, di D. Richie

Shohei Imamura: Modern Japan Entomologist, di M. Tessier

Shohei Imamura Interview, di M. Tessier, A. Bock e I. Buruma

The Last Rising Sun, di D. Kehr

Images of Irrationality in Modern Japan: The Films of Shohei Imamura, di A. Casebier

Shohei Imamura: Human, all too human, di G. Laprévotte

Shohei Imamura Interview, di T. Nakata

My approach to filmmaking, di S. Imamura

Traditions and influences, di S. Imamura

The Sun Legend of a country boy, di S. Imamura

My teacher, di S. Imamura

Shohei Imamura: No confucianist, di A. Bock

The Profound Desire of Gods: murder of the pink pig, di A. de Baecque

The Ballad of Narayama: Ascent to the Beyond, di Y. Lardeau

The Ballad of Narayama: Pigs and Gods, di C. Tesson

Erasing and refocusing: Two Films of the Occupation, di L. Ehrlich

Unagi: Of Eels and Men, di M. Tessier

Shohei Imamura Filmography

Uscito in occasione di una retrospettiva dedicata a Shohei Imamura (1926-2006), il libro in questione ne ripercorre la carriera dagli esordi “alla corte” di Ozu fino alla Palma d'Oro ottenuta nel 1983 con La ballata di Narayama.
Tuttavia, la schizofrenia di un volume scisso tra monografia (“un solo autore scrive di un dato argomento”) e antologia critica “polifonica” perturba la linearità del criterio d'ordine cronologico scelto dal curatore James Quandt: poiché la maggioranza degli interventi consiste in un bilancio complessivo dell'opera di Imamura, il lettore si troverà infatti prigioniero di una struttura ricorsiva la cui ripetitività (spesso anche tematico-contenutistica) finisce inevitabilmente per appesantire la fruizione del libro.
D'altro canto, l'estenuante “eterno ritorno” del discorso sul ventennio post-bellico ben si adatta all'uso ossessivo del flashback alla base di pellicole come Cronache entomologiche del Giappone (1963), facendo del saggio un coerente “messy book about messy films”.
In quest'ottica, i punti di interesse si rivelano numerosi. Tra di essi, ho trovato particolarmente stimolante e degna di ulteriore approfondimento la volontà del regista nipponico di affrancare il proprio cinema dal “magistero intellettuale” di Ozu, che il filmmaker classe 1926 considera una “costruzione” occidentale (Cfr. Transcendental style in Film di Paul Schrader) da non confondersi con il cinema (e “l'anima”) giapponese tout court.

Michael Guarneri

2010-03-24T21:02:00.005+01:00

IL CINEMA DI SHINYA TSUKAMOTO

Autore: Andrea Fontana, Davide Tarò, Fabio Zanello (a cura di)

Casa editrice: Edizioni Il Foglio, Piombino, 2010

Collana: Cinema - Split Screen

Pagine: 148

Formato: 15 x 21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione di Tom Mes

Corpi

- Io canto il corpo eclettico - La negazione del corso sociale in Shinya Tsukamoto, di Raffaele Meale

- Ipotesi sul corpo espanso di Edvige Liotta

- Il montaggio nel corpo cinema di Davide Tarò

- Il futuro è cyber-donna. Tsukamoto fra le macerie di fine millenio, di Domenico Monetti

Relazioni

- Shinya Tsukamoto: lo spazio liquido, di Lorenzo Leone

- Sulla disgregazione relazionale, di Andrea Fontana

- Shinya Tsukamoto. La perdita dello sguardo, la visione della perdita, di Enrico Carocci

- Storia di un impiegato

Avanguardie

- La mostra delle atrocità nella saga di Tetsuo fra letteratura, alterazioni percettive e identità molteplici, di Fabio Zanello

- L'atto di vedere. Sperimentalismo e prevalenza del visivo, di Michele Raga

- Fattore Q e colpi d'incontro, di Enrico Azzano

- Il corpo teatrante di Tsukamoto, di Davide Tarò

Approcci

- Bullet Nallet o della danza divergente dei destini urbani, di Matteo Boscarol

- Un incipit: A Snake of June, ovvero del desiderio, o del cinema, di Massimiliano Spanu

Filmografia

Bibliografia

Piccole case editrici crescono. La collana che Il Foglio Letterario dedica al cinema annovera già diversi volumi interessanti, ma spesso messi in ombra da una confezione ed un editing non sufficienti. Il volume dedicato a Tsukamoto Shinya ha invece premesse completamente differenti: migliora la copertina, migliora l'impaginazione, la definizione delle foto, spariscono quasi completamente gli errori di stampa. Contemporaneamente le penne coinvolte nell'operazione si fanno più interessanti: oltre all'apporto di Dario Tomasi (il cui saggio è di gran lunga annoverabile tra i più interessanti), ad avvalorare il lavoro dei tre curatori spicca la prefazione di Tom Mes, celebre per aver firmato due opere fondamentali per la storia e la critica al cinema giapponese moderno, vale a dire Iron Man, dedicato a Tsukamoto Shinya e Agitator sulle opere di Miike Takashi.
Scomponendo la filmografia di Tsukamoto in quattro bisettrici (corpi, relazioni, avanguardie e approcci) gli autori analizzano gli elementi principali del cinema del regista giapponese, esasperando forse il connubio uomo-macchina-progresso che certo è alla base della sua poetica, ma ne è solo il punto di partenza.
Una volta tanto la moltitudine dei critici coinvolti si traduce in una positiva eterogeneità del volume, privo di fastidiose ripetizioni tra i singoli saggi e vivacizzato da una prosa differente di lavoro in lavoro. La presenza di tanti autori si scontra però con la brevità del volume: alcuni punti di vista rimangono solo abbozzati, altri andrebbero approfonditi, mentre (pochi) potevano essere tralasciati.

2010-03-22T10:35:00.005+01:00

I FILM LIBERANO LA TESTA

Autore: Rainer Werner Fassbinder

Casa editrice: Ubulibri, Milano, 1988

Collana: La Collanina

Pagine: 120

Formato: 14,5 x 18,5

Prezzo: 10 €

Lingua: Italiano

Indice:

Imitation of Life

Se si ha l'amore in corpo

Otto ore non fanno un giorno

Molte ombre ma nessuna pietà

Aver dato-dover avere

Il cinema tedesco si arricchisce

A proposito della disperazione e del

coraggio

'Un anno con tredici lune'

'La terza generazione'

Esercizio alla sbarra: verticale, salto mortale chiusura riuscita

Risposte a domande di studenti

Le città dell'uomo e la sua anima

Premesse al progetto di film 'Cocaina'

Michael Curtiz: un anarchico a Hollywood?

Hanna Schygulla

Alexander Kluge deve aver compiuto gli anni

Note preliminari a 'Querelle de Brest'

Cannes dagli occhi tristi

Come immagino la mia attività professionale futura?

Lettera aperta a Franz Xaver Kroetz

A proposito di 'Der Mull, die Stadt und der Tod'

Oggetto: Premio federale per 'Germania in autunno'

Hit-parade del cinema tedesco

C'è ancora un futuro per il cinema?

Nota per il progetto di film 'Rosa Luxembourg'

Nota editoriale

Data la mia feroce “non-fassbinderianità”, ho potuto apprezzare questo libro unicamente come specchio dell'affettazione, dell'egocentrismo e dell'auto-sopravvalutazione del suo autore.
Prendiamo il primo articolo della raccolta: RWF applica la categoria baziniana di “cinema della crudeltà” alle opere di Douglas Sirk, ma – limitandosi a mapparla sulle trame – ne tralascia l'aspetto più decisivo, quello di uno “stile veicolo di contenuto”. Il risultato? Sei pagine di sinossi di film.
Il secondo pezzo, invece, è una specie di lungo aforisma in cui trionfa il trobar clus, il gusto per il paradosso (“Non avere utopie è già di per sé un'utopia”) e per gli effetti speciali della retorica.
Nell'intervista, poi, l'autore esibisce verso le domande degli studenti lo stesso atteggiamento di sufficienza adottato nei confronti di Wim Wenders in Chambre 666: troppo impegnato a recitare la parte del maudit per prendere sul serio gli interlocutori.
L'apice, però, lo si raggiunge con Hanna Schygulla, dove l'onnipresenza del pronome “io” fa nascere più di un dubbio sull'appropriatezza del titolo dell'articolo in rapporto al suo contenuto. Potrei continuare all'infinito, ma credo di aver reso l'idea: un libro masturbatorio e piuttosto inutile.

Michael Guarneri

2010-03-17T10:57:00.003+01:00

Donzelli Editore - Sito Internet

Trascendente nel cinema, Il - Ozu, Bresson, Dreyer - Paul Schrader

2010-03-17T10:27:00.005+01:00

NOTE SUL CINEMATOGRAFO

Autore: Robert Bresson

Casa editrice: Marsilio, Venezia, 2003

Collana: Biblioteca

Pagine: 126

Formato: 16 x 21

Prezzo: 13 €

Lingua: Italiano

Indice:

I. 1950-1958

II. 1960-1974 (ALTRE NOTE)

Note

Il volume raccoglie appunti stesi dal leggendario regista francese in un periodo compreso tra la lavorazione di Diario di un curato di campagna (1950) e quella di Lancillotto e Ginevra (1974).
Sebbene la dispositio segua un ordine cronologico rigorosamente progressivo, il testo non è assolutamente leggibile come resoconto autobiografico di una maturazione artistica: poiché ogni pellicola bressoniana – dal punto di vista stilistico – risulta perfettamente identica alle altre (cfr. il capitolo Bresson in Transcendental style in film di P. Schrader), l'autore non può che dare di sé un'immagine cristallizzata, mappando i propri incrollabili principi ispiratori sul corpus di opere realizzate in un quarto di secolo.
Bresson, quindi, si serve di penna e foglio per glossare il testo filmico: stimolato dal lavoro creativo sul set, il metteur en scène riflette sul medium cinema e sul suo “linguaggio specifico” (non è questa, in fondo, l'ossessione di ogni teorico del cinema?).
Non ci si attenda, però, la logica implacabile dell'argomentare ejzenstejniano.
Abbastanza sorprendentemente, il “cineasta sottrattivo” Bresson adotta la forma letteraria dell'accumulo: aforismi (precettistica o invettiva) e impennate liriche sono gli strumenti di un pensiero mistico che, coerentemente, preferisce la suggestione alla demonstratio.
In sostanza, Note sul cinematografo è un manifesto poetico i cui dogmi sono ripetuti con tale appassionata ostinazione da trasformare la teori(c)a del cinema in liturgia del cinematografo (1).

Michael Guarneri

(1) “Cinematografo” nel senso letterale di “scrittura con immagini in movimento e suoni”.

2010-03-10T01:49:00.003+01:00

Spirali - Sito Internet

Tempo di morire - Ricordi, riflessioni, aneddoti - Krzysztof Zanussi

2010-03-09T12:36:00.005+01:00

TEMPO DI MORIRE - RICORDI, RIFLESSIONI, ANEDDOTI

Autore: Krzysztof Zanussi

Casa editrice: Spirali, Milano, 2009

Collana: l'alingua

Pagine: 388

Formato: 14 x 21

Prezzo: 25 €

Lingua: Italiano

Indice:

Il titolo di questo libro

La conquista del mondo

Vita di famiglia

Azzardo e possibilità

Viaggi esotici

La terra della grande promessa

Non tutto il male

Detti

La muleta e altre mosse

I ricordi e le maschere

Cose della vita

Una frase del dialogo

Da dove trae i suoi temi?

Fantasmi

I grandi di questo mondo

Discorsi

Il sogno americano

La politica

Avventura con il Papa

Barbablù

Melpomene

Le altre muse

La fede

Il passato è finito

Filmografia

Premi (selezione)

Produzioni teatrali

Krzysztof Zanussi, oltre settant’anni sulle spalle dei quali ben cinquanta passati dietro la macchina da presa con un estro, una fantasia, ma allo stesso tempo un rigore ed una morale propri solamente di chi ha vissuto da intellettuale, ricercatore, fisico, filosofo e cineasta in Polonia dagli anni ’60 ad oggi. Di estrazione cattolica e tutt’ora membro della Pontificia Commissione per la Cultura, è divenuto celebre in tutto il mondo con Da un paese lontano, film che dedicò nel 1981 alla figura di Giovanni Paolo II e tre anni più tardi per essersi aggiudicato il Leone d’Oro alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia con L’anno del sole quieto. Complice una letteratura quasi inesistente, in Italia molte delle sue migliori pellicole (La struttura del cristallo e Illuminazione su tutte) rimangono invisibili e sconosciute al grande pubblico. Ciononostante Zanussi resta legato alla terra cui deve le sue origini (dal Friuli i suoi avi si trasferirono in Polonia), non solo masticando un perfetto italiano, ma anche girando film come Persona non grata, del 2005, in cui ha voluto a recitare Valeria Golino, Renzo Balducci e Remo Girone. Rendere il portato di una personalità così sfaccettata, di un uomo di cultura tanto istrionico e di una figura così emblematica per il cinema est europeo come quella di Zanussi, sarebbe stato difficile anche per il critico più varato: ecco, forse, perchè Krzyszotf stesso ci propone i suoi “ricordi, riflessioni, aneddoti”, in questa autobiografia edita da Spirali.
E’ impossibile negare che a prima vista Tempo di morire possa apparire come un mattone un po’ difficile da digerire: quasi quattrocento pagine su un regista che non ha mai fatto dell’intelleggibilità alle masse il suo cavallo di battaglia, possono sembrare una mezza avventura per chi di Zanussi non è il più pervicace sostenitore. Ma la prosa appassionata, intensa e confidenziale allo stesso tempo, i numerosi aneddoti e le curiosità pescate dal cilindro dei ricordi fanno da contraltare alle pause riflessive che Zanussi si concede e danno forma ad un racconto che non è solo la storia di una vita, ma piuttosto l’occasione per entrare a stretto contatto con i paesi protagonisti della guerra fredda; per rendersi conto di quanto il blocco sovietico potesse influenzare e limitare gli intellettuali del tempo, ma allo stesso tempo esserne una delle primarie fonti di ispirazione. Per capire insomma quanto Zanussi, regista, produttore e uomo di cultura a tutto tondo non potesse prescindere dalla situazione politica che viveva giorno dopo giorno e quanto molte delle sue pellicole siano effettivamente figlie, nel bene e nel male, di un certo periodo e della reazione ad esso. Quello che Il tempo di morire sembra richiedere (un impegno di lettura non indifferente) è in realtà poco più che apparenza: superato il primo scoglio, il pregiudizio che vuole il cinema est europeo un polpettone indigeribile, la lettura apparirà discretamente scorrevole.

Michelangelo Pasini

2010-03-08T02:35:00.006+01:00

IL TRASCENDENTE NEL CINEMA - OZU, BRESSON, DREYER

Autore: Paul Schrader

Casa editrice: Donzelli, Roma, 2002

Collana: Saggi, Arti e Lettere

Pagine: 194

Formato: 14,5 x 23

Prezzo: 17, 56 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

Ozu

Bresson

Dreyer

Conclusioni

Note

Bibliografia

Indice

Schrader intende dimostrare l'esistenza di uno “stile trascendentale” in grado di evocare l'Ineffabile e l'Invisibile (cioè l'irrisolvibile Mistero dell'esistenza umana) attraverso il linguaggio specifico del medium Cinema: il film come “preview of the incoming attractions of the Soul” (vedi il Cigarette burns carpenteriano).
Inoltre, questo stile si definisce “trascendentale” in quanto “forma espressiva condivisa”, esperanto audiovisivo che accomuna cineasti tra loro diversissimi per nazionalità, background culturale, religione professata, carriera, generi frequentati, eccetera.
L'autore del saggio è consapevole di essersi imbarcato in acque pericolose: lo testimoniano le mille precauzioni metodologiche e i doverosi distinguo terminologici dell'Introduction.
Ed è proprio la solidità di questa breve sezione iniziale che impedisce a Schrader di affondare nelle paludi dell'impressionismo letterario. Aldilà della discutibile tesi di partenza, l'argomentazione schraderiana non perde mai i caratteri della scientificità: Estetica, Analisi del film, Storia del Cinema, dell'Arte e delle Religioni sono chiamate al banco dei testimoni e interrogate per convincerci dell'esistenza di uno “stile trascendentale”.
In questo senso, l'apparato iconografico risulta particolarmente efficace nell'aiutare il lettore a cogliere le analogie tra Ozu e i pittori sumi-e, tra Bresson e l'arte bizantina.
Chi si aspetta un manifesto poetico della futura produzione cinematografica di Schrader rimarrà abbastanza deluso. Molto meglio abbandonarsi alla prosa cristallina e alle argomentazioni stringenti di un cinefilo che concepisce l'esercizio critico come “discorso su oggetti amati”.

Michael Guarneri

2010-03-02T01:14:00.007+01:00

KIM ARCALLI - MONTARE IL CINEMA

Autore: Enrico Ghezzi, Marco Giusti (a cura di), Sergio Grmek Germani (con la collaborazione di)

Casa editrice: Marsilio, Venezia, 1980

Collana: Ricerche

Pagine: 171

Formato: 14,5 x 20,5

Prezzo: 16 €

Lingua: Italiano

Indice:

Ancora Kim, di Roberto Ellero

Perchè Kim, di Bruno Torri

Introduzione

Alla ricerca di Kim

Come sistemare Kim Arcalli nel panorama del cinema italiano

Kim e i montatori

Sarà mai possibile smontare il montaggio?

Uccidete il maiale e montatelo, di Sergio Grmek Germani

Interviste e dichiarazioni

- Tinto Brass
- Giulio Questi
- Bernardo Bertolucci
- Giuseppe Bertolucci
- Liliana Cavani
- Eriprando Visconti
- Salvatore Samperi
- Michelangelo Antonioni
- Ottavio Fabbri
- Italo Moscati
- Enrico Medioli
- Arturo La Pegna

La stampa il giorno della morte

Filmografia

- Lungometraggi
- Cortometraggi
- I progetti

La lettura dell'indice aiuta a comprendere la profondità dell'operazione messa in atto dal presente volume: infatti, quale miglior omaggio al “monta(u)tore Kim” di un libro costruito accostando materiali eterogenei (arte in cui Arcalli eccelleva, come testimoniano i film da lui montati per Giulio Questi)?
Così, accanto al taglio saggistico, alla prospettiva storico-critica e alla teoria del cinema, troviamo le testimonianze di colleghi e amici cineasti: è proprio attraverso lo strabismo di questo campo-controcampo che emerge il ritratto di Arcalli come artista, come uomo e come mito.
Ma c'è di più: come sottolineano a più riprese gli stessi curatori, Kim Arcalli. Montare il cinema costituisce un montaggio arbitrario dei suddetti frammenti, la cui programmatica provvisorietà intende fornire al fruitore la possibilità di costruirsi un percorso personalizzato.
Si può prediligere il genio umile dell'artista schivo, oppure le sregolatezze di un personaggio bigger than life; aldilà dell'agiografia, il libro può considerarsi una pratica guida alla visione (soprattutto in vista della preziosa sezione filmografica “ragionata”), oppure un tentativo di applicare i paradigmi della politica autoriale al cinema di genere italiano sessantesco e settantesco.
In sostanza ci troviamo di fronte a una specie di “choose your own adventure book” travestito da saggio monografico; una ipernarrazione la cui migliore qualità, a mio avviso, è quella di spronare il cinefilo a fare cinema, non solo a guardarlo.

Michael Guarneri

2010-03-01T14:40:00.005+01:00

IL FIGLIO PIU' PICCOLO

Autore: Pupi Avati

Casa editrice: Garzanti, Milano, 2010

Collana: -

Pagine: 191

Formato: 13x20

Prezzo: 14 €

Lingua: Italiano

Indice:

Il libro di Pupi Avati (che nella trasposizione filmica diventerà la terza parte di una trilogia iniziata con La cena per farli conoscere e continuata con Il papà di Giovanna, incentrata sulla figura della paternità) ha come forza motrice il protagonista, Luciano Baietti. Definito nel risvolto del volume un faccendiere della commedia dell’arte italiana, il personaggio è di quelli che tutti hanno invidiato almeno una volta nella vita. Perennemente in bilico, doppiogiochista, esagerato con le donne, negli affari e nelle amicizie, sempre sull’orlo del precipizio, sempre ad un passo dal baratro, ma costantemente salvato da fortuna, ingegno, amicizie e destino. E’ il personaggio dalla vita che non dorme mai, con l’adrenalina che ogni impiegato sogna mentre è seduto alla sua scrivania, postazione di lavoro più solida e rilassante rispetto a quella di Luciano Baietti, ma sicuramente molto meno affascinante. Ambientato nella Bologna dei primi anni novanta Il figlio più piccolo è, come il regista-scrittore ci ha da sempre abituato, tanto la fotografia di un particolare, la descrizione di un manipolo di personaggi privi di scrupoli ma allo stesso tempo bonaccioni e divertenti, quanto un vero e proprio spaccato di storia dell’Italia, uno spicchio del nostro mondo che non possiamo rischiare di perdere e di cui sarebbe meglio fermarci a subirne la bizzarra fascinazione.
Il figlio più piccolo è il classico libro da due notti insonni: il regalo che abbiamo impilato sotto gli altri perchè lo scrittore non suonava anglofono; un bel giorno, o sarebbe meglio dire notte, accendiamo la televisione per provare a prendere sonno, e quando il trailer del film ci martella, ci ricordiamo di quello strano libro con una chitarra elettrica e scarpe da ginnastica in copertina, lo prendiamo in mano, e allora sì che il sonno passa sul serio. Dialoghi e situazioni serrate, scrittura scorrevole, poco spazio alle descrizioni, il narrare di Avati scorre, come dice Kezich, come “un rubinetto aperto”. Probabilmente la mattina arriverà troppo presto, sarà necessaria un’altra notte insonne per finire il volume. E buttarsi poi, e solo poi, sul film.

Michelangelo Pasini

2010-02-19T18:11:00.011+01:00

L'ETA' DELL'OCCHIO - IL CINEMA E LA CULTURA AMERICANA

Autore: Franco La Polla

Casa editrice: Lindau, Torino, 2000

Collana: Saggi

Pagine: 276

Formato: 14x22.5

Prezzo: 14,46 €

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa

Autori
- Alcune versioni di pastorale: Frank Capra e l’invenzione della “screwball comedy”
- La frequentazione delle tenebre: Orson Welles fra Ismaele e Barnum
- Dipendere da estranei: Elia Kazan e la letteratura americana
- Prepararsi in tempo: brevi note estetiche sul primo Roger Corman
- Corman e Poe: cronaca di una liberazione senza seguito
- Entropia e Apocalisse: Robert Altman e la cultura americana
- Russ Meyer: la realtà al grado esclamativo

Film
- “Daisy Miller” di Peter Bogdanovich
- “La via del tabacco” di John Ford
- “Non voglio perderti” di Mitchell Leisen
- “La saggezza nel sangue” di John Huston
- “Blade Runner” di Ridley Scott
- “La zona morta” di David Cronenberg
- “Il seme della follia” di John Carpenter
- “Texasville” di Peter Bogdanovich
- “Forrest Gump” di Robert Zemeckis
- “Quiz Show” di Robert Redford
- “Amistad” di Steven Spielberg

Questioni
- Storia e fantastoria: la diversità americana
- Fiction e realtà storica al cinema, ovvero: guardiamo la TV
- Negare il piacere: l’erotismo negli anni ’30 e ‘40
- Cinema e Beat Generation: il diritto alla storicizzazione
- Hollywood, droga e creatività, ovvero: usare il cervello
- Del parlar quando si è interrogati: cinema e umorismo ebraico-americano
- Il riso, la morte e i diavoli: ancora su Woody Allen e i fratelli Marx
- Parlare a Ninotchka, ovvero: quale remake?
- Dalla creazione al pregiudizio universale: la fantascienza televisiva negli anni ‘50
- “X-Files”: l’orrore del pensiero tra fantascienza e parodia
- L’iperrealismo trent’anni dopo

Indici
- Indice dei film
- Indice dei nomi

Quando si parla di cinema americano, non è possibile prescindere dall'enorme apporto critico e storiografico di Franco La Polla. Accademico senza accademismo, docente per oltre trent'anni di Letteratura Anglo-americana e di Storia del cinema nordamericano, La Polla, scomparso nel 2008, è stato senz'ombra di dubbio lo studioso italiano più autorevole in fatto di cinema e letteratura statunitensi, nonché uno dei più profondi conoscitori della cultura americana tout court. L'età dell'occhio, una delle sue raccolte critiche più significative, si propone di rileggere diversi momenti e autori del cinema Usa alla luce delle più varie interferenze letterarie, filosofiche e storiche che ne hanno plasmato le opere. Vicino ai Cultural Studies, disciplina accademica ancora poco o per nulla sviluppata nel nostro Paese, La Polla eccelle tanto nella precisione e nella padronanza dello sconfinato background culturale che gli pertiene quanto nella viva originalità del suo contributo teorico. L'invidiabile minuzia del filologo è evidente, ad esempio, quando nega all'idealista e jeffersoniano Capra la paternità della screwball comedy, genere eminentemente sovversivo e anarchico che della mitologia jeffersoniana voleva piuttosto essere la scettica parodia, o quando propone percorsi storico-critici di straordinaria erudizione riguardo le radici dell'umorismo ebraico-americano dei fratelli Marx e la tradizione del trickster, il confidence man melvilliano, nella poetica digressiva di Orson Welles. Originale, in secondo luogo, per molte riflessioni critiche decisamente innovative e coraggiose, come quando traccia i punti di tangenza tra Roger Corman e le figurazioni della pop-art, o tra Altman, l'entropia pynchoniana e l' "Apocalisse comica" di scrittori quali Vonnegut e Barthelme. Come se non bastasse, quella di La Polla era anche una delle penne critiche più godibili e lievi, priva di contorti ghirighori intellettualistici e sempre ficcante, cristallina ed essenziale. Il volume offre il meglio di sé soprattutto nelle sezioni “Autori” e “Questioni”, dove il pensiero critico di La Polla è più libero di spaziare nella trasversalità dei riferimenti culturali più vari, mentre la sezione “Film” soffre maggiormente la limitazione di dover trattare singoli titoli (generalmente non memorabili), seppur con qualche notevole eccezione come i lucidissimi interventi su Il seme della follia e Forrest Gump. L'età dell'occhio non è solo uno dei migliori florilegi di saggi sul cinema americano, con persino qualche riflessione profeticamente proiettata verso dibattiti più che attuali (cfr. il conclusivo L'iperrealismo trent'anni dopo), ma anche un modello di critica intelligente e illuminante.

Dario Stefanoni

2010-02-13T11:38:00.008+01:00

PASOLINI - IL DOCUMENTARIO DI POESIA

Autore: Marianna De Palma

Casa editrice: Falsopiano, Alessandria, 2009

Collana: Cinema

Pagine: 228

Formato: 15x21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Pasolini documentarista fra Italia "magica" e Terzo Mondo

Prefazione di Raffaele De Berti

Introduzione

1. Cinema di poesia - Poesia del cinema

2. Sopralluoghi filmati

- Il Terzo Mondo nel "Documentario di poesia"

- Soggetti per documentari

3. Il Terzo mondo pasoliniano

- Alternativa: ... stupendo e immondo sole d'Africa

- E' questo illimitato mondo contadino che io rimpiango

- Mutazione antropologica - mutazione cinematografica: dal nazional-popolare all'élite

- Dell'ancestralità e del neocapitalismo: da Erinni a Eumenidi

4. Documentari e soggetti

- Il padre selvaggio

- Il soggetto

- La rabbia

- Sopralluoghi in Palestina

- Appunti per un poema sul Terzo mondo

- Gli episodi: Paesi arabi, Sud America, Nota al padre selvaggio, Ghetti del Nord America, Nota al film sull'India

- Appunti per un'Orestiade africana

- Il soggetto: l'Atena bianca

- Gli appunti: ricerca di personaggi e luoghi

- La democrazia formale

- Gli appunti: il racconto

- La vita quotidiana nell'Africa Nuova

- La mura di Sana'a

5. Appunti per un film sull'India

- Il soggetto: Storia Indiana

- Lo sguardo: L'odore dell'India

- La borghesia, la "fissazione" indù, Nehru

- Incontro con la religione indiana

- La storia. Il racconto del maharaja

- Nota: jataka e spirito di carità

- Indicazione di stile: Flaherty

- Un documentario per la Rai

Le interviste di Romano Costa

Il film

- Analisi delle sequenze

- Scheda tecnica

Appendice

- Nota dell'autrice

- Riferimenti bibliografici

Da non credere. Che dopo tanti anni, tanti libri e tante parole spese (spesso troppe e a sproposito, ahimè) qualcuno riesca ancora a prendere in mano l’opera registica di Pier Paolo Pasolini e scriverne un libro non solo originale ed interessante ma, per quanto possibile, nuovo. Recita la quarta di copertina, il tema del volume è “Il rapporto tra il mondo mitico, arcaico, sacrale e l’avvento della modernità”, studiato con un metodo d’analisi che per cogliere completamente il “documentario di poesia pasoliniano” è costretta ad allontanarsi da quei territori che mediano sapientemente realtà e sogno, misticismo e tragedia, e diventare precisa e fin troppo informata.

Muovendosi nell’Archivio Pasolini di Bologna e in ogni altro dove sia contenuto un appunto, una lettera, un manoscritto dell’artista italiano, Marianna De Palma ricostruisce la genesi di episodi documentaristici come Appunti per un’Orestiade Africana, Appunti per un film sull’India, Le mura di Sana’a, partendo dai primissimi appunti per il soggetto, descrivendone sopralluoghi e contatti ed infine analizzando il prodotto finito. Per Appunti per un film sull’India compie il medesimo percorso ma aggiunge l’analisi filmica, scomponendo il film nelle singole sequenze, commentandole una per una con l’ausilio di immagini (in bianco e nero e un po’ troppo sfuocate), con un’attenzione particolare all’interesse pasoliniano per la forma e la tecnica di quel particolare lavoro: racconta l’autrice che il regista già nella fase embrionale aveva sottolineato più volte idee registiche e di ripresa che sarebbero dovute essere alla base della trasposizione della sua “breve e drammatica” esperienza in India.

Indispensabile per l’appassionato che voglia aggiungere un ulteriore tassello alla sua conoscenza della poetica pasoliana, ma anche adatto (soprattutto nella prima metà) a chi conosca il cineasta italiano solo per le sue opere di finzione e voglia approcciare il suo cinema documentario.

Criticabile la scelta di inserire le note al testo in fondo ad ogni capitolo.

Michelangelo Pasini

2010-02-08T16:24:00.004+01:00

PIOVONO RANE DAL CIELO - IL CINEMA DI PAUL THOMAS ANDERSON

Autore: Diego Mondella

Casa editrice: Edizioni Il Foglio, Piombino, 2008

Collana: Cinema

Pagine: 228

Formato: 15x21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione di Antonio Monda

Introduzione
The Maverick: imprevedibile come la vita

Hard Eight
In principio era il Padre...

Boogie Nights
Sesso, droga e videotape...

Magnolia
L'eterno ritorno...

Punch-drunk love
L'amore stonato...

There Will Be Blood
Nel nome del Dio denaro

Filmografia

Bibliografia

Ringraziamenti

L'autore

Cinque film sono sufficienti a fornire a spettatori e critica uno spaccato della visione di cinema di un qualunque regista? La risposta è sì, solo se il regista in questione non è uno qualunque ma Paul Thomas Anderson, definito senza mezzi termini dall’autore del libro il cineasta più talentuoso del cinema americano contemporaneo. Partendo da questo concetto Fabio Zanello, direttore della collana di cinema de Il Foglio Letterario, non si fa sfuggire l’occasione di vergare la prima parola su un autore che ancora molte ne ha da dire, e “scrittura” il giovane e capace Diego Mondella per confezionare un libro sul regista de Il Petroliere e Magnolia. La scelta dell’autore appare subito radicale, specie se messa in relazione con la breve filmografia di Anderson: preferire una dissertazione cronologica, analizzandone la carriera pellicola dopo pellicola, ad uno studio trasversale sulle tematiche e le urgenze del regista presuppone una capacità di analisi filmica fuori dal comune. Perchè fare un lavoro completo con così poco materiale a disposizione (ripetiamo, solo cinque pellicole), significa vedere, rivedere, rileggere, sezionare e ribaltare le singole opere di Anderson sotto tutti i punti di vista, con il rischio di divenire eccessivamente puntigliosi e verbosi. E forse l’errore di Diego Mondella, l’unico probabilmente, è questa scelta fatta a priori. Dalla sua l’autore ha però la capacità di affondare le mani nei cinquecento anni di storia americana, individuando parallelismi che superano i vicini confini della settima arte e arrivano alla letteratura, televisione, pittura e cultura popolare tout court. Da una parte c’è quindi l’attaccamento po’ troppo forzato ad alcuni appigli diegetici, dall’altra il bisogno di ancorare le proprie teorie a fondamenta solide e inconfutabili. Con questi pro ed i suddetti contro il libro diventa una guida eccellente per chi desideri approfondire tematiche e linguaggio di Paul Thomas Anderson al termine di ogni singola visione, ma un lavoro forse poco snello se considerato nella sua totalità.
Ma chi ha detto che le monografie sono fatte per essere lette tutte d’un fiato, dalla prima all’ultima pagina? Forse è meglio conservarle nella libreria e (ri)tirarle fuori all’abbisogna.

Michelangelo Pasini

2010-01-27T16:05:00.009+01:00

PALPEBRE

Autori: Gianni Canova

Casa editrice: Garzanti, Milano, 2010

Collana: -

Pagine: 230

Prezzo: 13 €

Lingua: Italiano

Indice:

Primo movimento
ANDANTE CON SANGUE

Secondo movimento
MOSSO NELLA PIOGGIA

Entr'acte

Terzo movimento
LENTO FRA LA TERRA

Quarto movimento
PRESTO CON FUOCO

Epilogo
ADAGIO AL CASTIGO

Ringraziamenti, postille e note

Com'è noto, Gianni Canova è uno dei più infaticabili critici italiani: fondatore e direttore del mensile Duel (ora Duellanti), curatore della Garzantina Cinema, preside e professore di Filmologia presso la facoltà di comunicazione dello IULM di Milano, e autore, tra gli altri, di uno dei testi teorici più significativi degli ultimi quindici anni, L'alieno e il pipistrello - La crisi della forma nel cinema contemporaneo.
Per la sua prima prova narrativa, Canova sceglie le vesti del thriller con ambizioni da romanzo storico. Ci troviamo difatti nel 2003, anno-culmine dell'industria della paura post-11/09 e della guerra in Iraq, quando in tv si può vedere la decapitazione di Nick Berg e nelle sale Kill Bill di Tarantino. Nella Milano asserragliata da razzismo e dalla paura dell'Altro, Giovanni Vigo, ricercatore universitario precario e collaboratore di Radio Popolare a tempo perso, è involontario testimone di una serie di delitti efferati che lo porteranno, al termine di una quest infernale che farà terra bruciata delle sue risorse psicologiche e affettive, ad un sotterraneo mercato di corpi umani, un totalitario sistema di compravendita di immagini mostruose, dove una nuova "carne" cinematografica sembra dichiararsi quale cristallina metafora dei tempi di terrore e mostruosità esibite dei primi Duemila. Il fatto che Palpebre, a partire dal titolo, sembri proporsi, più che come romanzo, come breve trattato sulla visibilità (e, in fattispecie, sulla politica che vi è inscritta), è chiaro da molti indizi. Già i nomi dei personaggi si spiegano da soli: Giovanni Vigo, che cerca di vedere meglio oltre la realtà superficiale anche a rischio di mettere in crisi l'esistente e di compromettere la sua stessa vita, rimanda nel nome a Jean Vigo, cineasta eretico morto prematuramente, mentre lo stesso discorso può valere per il polemista dall'eloquio avvincente Giorgio Simmel e la dark lady tarantiniana Mia (come la Mia Wallace di Pulp Fiction). Il procedimento sembra ricalcare la nominazione didascalica dei personaggi manzoniani, non a caso citato tra i riferimenti: come in Manzoni i caratteri sono definiti moralisticamente a priori, dalla penna di Canova ne escono dei tipi che della tridimensionalità non hanno più nulla, con il destino già inscritto a chiare lettere nel nome.
Ma le problematiche sul visuale sono ben più profonde e innervano tutto il romanzo; ritornano infatti tanti dei temi critici canoviani, dall'accecante flusso di immagini della contemporaneità, che assottiglia la memoria al presente e annulla la possibilità di distinguere il vero dall'artificio, sino all'ossessione per i mostruosi ibridi corporei di chiara marca cronenberghiana (del quale Canova ha scritto l'imprescindibile Castorino). Lo spunto teorico in questo senso più suggestivo e stimolante è nella differenza posta tra la rappresentazione dell'Inferno secondo Dante e la versione di Giotto, già proiettato nella modernità: laddove nel primo tipo di Inferno chi ha peccato di invidia è costretto alla cigliatura (ovvero alla cucitura delle palpebre), per vedersi finalmente dentro dopo aver visto così a lungo fuori da sè, nell'Inferno di Giotto mostrato nell'affresco della Cappella degli Scrovegni gli invidiosi sono costretti a tenere gli occhi aperti (a tal proposito, Canova non si lascia scappare il riferimento esplicito ad Arancia Meccanica), in quanto la possibilità di vedersi soffrire fa parte della stessa condanna, e come negli spettatori di oggi, essa rappresenta insieme la pena e la colpa della contemporaneità.
Posto l'indubbio fascino di queste riflessioni, è difficile soprassedere sulla povertà della sostanza propriamente narrativa di Palpebre. Per quanto Canova si premuri di citare Scerbanenco e Houellebecq, i personaggi sembrano guidati dai tòpoi più logori, l'intreccio pare un bodycount senza nerbo, fantasioso nelle immagini finali ma risaputo nel suo intero svolgimento, e, quel che è peggio, forse giustificandosi con il genere adottato (scelta di campo o di vendibilità?), opta per una prosa neutra, remissiva, poco o per nulla personale. Il Canova critico, anche nello stile di scrittura, ci ha abituato a ben altro.

Dario Stefanoni

2010-01-27T12:26:00.007+01:00

I FILM DI DARIO ARGENTO

Autori: Roberto Lasagna, Lino Molinario

Casa editrice: Falsopiano, Alessandria, 2009

Collana: Light

Pagine: 224

Formato: 11,5x16

Prezzo: 13 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione
- Scorie del passato

L'immagine che rivela

Stilemi di morte

Visioni dal margine

Come dentro un tunnel

Il posto dell'oblio

Dimenticare

La fiaba ha inizio

Prima della rivalutazione

Sotto gli occhi dell'assassiono

Iper-sensibilità

Ad occhi aperti

Viaggio in America

Asia

Lo stato delle cose

Il fantasma della libertà

L'artista e il fumista

Il "riscatto"

Filmografia

Riferimenti bibliografici

Parlare di Dario Argento oggi non è affatto facile. Non lo è perchè le critiche che gli piovono addosso da oltre una decina d’anni sembrano essere quasi unanimi e le recensioni positive lette all’indomani de Il Cartaio o La Terza Madre sono davvero poche. Ma soprattutto non lo è perchè sul maestro del giallo all’italiana hanno scritto in tanti. Roberto Lasagna e Lino Molinario non cadono però nelle trappole dentro le quali sarebbero franati se solo avessero scritto con il preciso obiettivo di schivare le due difficoltà di cui sopra; gli autori optano per un approccio il più possibile intellettualmente onesto all’universo argentiano e questo è indubbiamente il metodo più corretto. Non pretendono infatti di essere originali per forza e quindi di aggirare il rischio di sfociare nel già detto con l’utilizzo di analisi esageratamente virate sul versante semiotico.

Semplicemente: i capitoli del libro corrispondono, più o meno, ai film diretti dal Dario nazionale e i due autori ne danno una rilettura personale e attenta a trattare il suo cinema con uno sguardo a metà tra quello del fan più sfegatato e del critico più pregiudizievole, tenendo sempre dritto il timone dell’intelleggibilità: stupisce infatti come il volume, compatto e tascabile a dire la verità, possa essere divorato con tanta facililtà, complice anche l’attenzione, a volte anche esagerata, per la trama di ogni singola pellicola. Da sottolineare l’interpretazione dei nuovi lavori argentiani: film come La Terza Madree Non Ho Sonno vengono infatti analizzati cercandone gli elementi di continuità con le altre pellicole del regista, superando spesso i limiti di analisi imposti da una critica più attenta a demolirne la figura che a riflettere su pregi e difetti di alcune opere non riuscitissime.

Parlare dei lavori di Dario Argento soprassedendo sui loro finali sarebbe impossibile, quindi occhio agli spoiler.

Michelangelo Pasini

2010-01-21T17:27:00.008+01:00

I MANIFESTI TIPOGRAFICI DEL CINEMA - LA COLLEZIONE DELLA FONDAZIONE CINETECA ITALIANA 1919-1939

Autori: Roberto Della Torre ed Elena Mosconi (a cura di)

Casa editrice: Il Castoro, Milano, 2001

Collana: Il Castoro Cinema

Pagine: 158

Formato: 17x24

Prezzo: 14 €

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa di Elena Mosconi e Roberto Della Torre

Il manifesto lungo le vie del cinema di Fabio Radaelli

Il manifesto tipografico: struttura e funzioni di Roberto Della Torre

Pubblicità e affissioni di Roberto Della Torre

Scheda. Profilo di una sala cinematografica: il cine X di Giulia Marcora

Lo spettacolo cinematografico di Gianluca Casadei

Scheda. Tra cinema e varietà: Anna Fougez e Polidor di Gianluca Casadei

“Sublime interpretazione di...”: incursioni nel divismo attraverso i manifesti tipografici milanesi di Raffaele De Berti

Scheda. Un autore-divo: Lucio D'Ambra di Stefania Mignoli

Il genere e le pratiche comunicative: il testo verbale dei manifesti e le strutture testuali di genere di Roberta Marasco

Scheda. Il genere storico nei manifesti tipografici di Savinia Colombo

Il pubblico tra manifesti e film di Elena Mosconi

Quattro chiacchiere con gli esercenti. Intervista a Ulderico Bonfanti e Ambrogio Moro di Roberto Della Torre

L'esperienza dello spettatore attraverso le cartoline del Cinematografo Centrale di Francesco Casetti

Tracce di modernità nelle cartoline del cinema Centrale di Lorena Iori

Glossario

Appunti d'archivio

Durante gli anni Settanta le cineteche italiane si aprono, tra meraviglia ed ammirazione, ad una sostanziale acquisizione di materiali non filmici disparati e di diversissima provenienza: archivi fotografici, fondi privati, archivi di colonne sonore e di locandine, diari e lettere. L'equazione cinema uguale film, già in forma non proprio smagliante, subisce una decisiva incrinatura. In questo contesto la Cineteca Italiana, ente semi-privato milanese fondato dal gruppo di Corrente (Rognoni, i Comencini, Lattuada, Luigi Veronesi, ecc.), acquistò un importante fondo di 120.000 manifesti non illustrati relativi alla programmazione di più di 150 sale cittadine dal 1919 al 1939. Come dire l'intero spettacolo cinematografico milanese di due decenni.
Purtroppo, però, i materiali non filmici acquisiti dalle cineteche hanno vita infausta, condannati come sono a scaffali polverosi dai quali vengono rimossi nella migliore delle ipotesi per una mostra. A meno che non abbiano la fortuna di suscitare l'interesse di un gruppo di ricerca che, come in questo caso l'Università Cattolica, ne rileva il valore storico e provvede ad un'opportuna valorizzazione. Il tutto affidato alla guida di Elena Mosconi e Roberto Della Torre, due esperti da prospettive diverse (ricercatrice lei e archivista lui) di spettacolo e spettatorialità cinematografica, e composto da studenti specializzandi e dottorandi.
I manifesti tipografici, specialmente se raccolti in un così ampio fondo, rappresentano una chiave d'argento per orientarsi tra i cunicoli della storia locale, senza contare le fruttuose deviazioni che un'attenta analisi lascia intravedere (come dimostrato da Raffaele De Berti e Roberta Marasco).
Così, in un complicato intreccio di leggi di mercato e autorappresentazione, i manifesti si fanno fonte plurale e polisemica, specchio infedele e risorsa preziosissima. Gioco d'interpretazione e di rilettura, dunque, che richiede mani abili, forse a volte più di quelle dei giovani ricercatori della Cattolica.
Il volume rimane comunque, anche con le sue cadute dovute più alla poca consistenza di alcuni interventi (compreso il farraginoso saggio della Mosconi) che non ad una mancanza globale, un caso unico, sia per i manifesti tipografici – ovviamente – che per lo sperimentalismo di un lavoro costruito tutto su una collezione parafilmica, utilizzata come un grimaldello per forzare più di un avamposto (il pubblico ma anche i generi, la pubblicistica, il divismo, la legislazione e l'esercizio).
In appendice Francesco Casetti e, ancor meglio, Loretta Iori analizzano le stupende cartoline del Cinematografo Centrale, la mitica sala della Galleria.

Giuseppe Fidotta

2010-01-14T18:16:00.006+01:00

LE GARZANTINE CINEMA

Autori: Gianni Canova (a cura di)

Casa editrice: Garzanti, Milano, 2009

Collana: Le Garzantine

Pagine: 1582

Formato: 14 x 21

Prezzo: 39 €

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa

Dizionario del cinema

- Registi, attori, sceneggiatori, scenografi, costumisti e compositori; generi e correnti, critici e storici, case di produzione, festival, scuole, riviste; teorie, tecniche, linguaggi

Appendici

Premi cinematografici

- Oscar

- Mostra internazionale del Cinema di Venezia

- Festival di Cannes

Schede di approfondimento (nel corpus del Dizionario)

- Decine di voci

Tavole fuori testo

Indice dei nomi

Ventunesimo secolo. Gli anni di internet, di wikipedia, di google che digitalizza i libri e li mette a disposizione per la consultazione gratuita. 2009. La terza edizione della Garzantina Cinema. Un’operazione straordinariamente coraggiosa, in continuità con quanto la casa editrice milanese ha fatto in tutti questi anni. Oggi che il sapere sembra sempre più affidato alla rete e che soprattutto un mezzo di cultura popolare come il cinema sembra adattarsi perfettamente al media che sta spopolando su tutti gli altri, Gianni Canova rimane convinto della necessità di un’enciclopedia cinematografica su carta. E non si sbaglia affatto.
La sua arma più potente contro la gratuità e l’immediatezza d’aggiornamento di internet? La precisione. Molti siti web, vuoi perchè molto spesso sono gestiti per hobby e passione, vuoi perchè sembra che ad una pagina internet si possano perdonare strafalcioni ed omissioni, sono molto carenti da questo punto di vista. Canova ed i suoi collaboratori, di edizione in edizione, rivedono, correggono ed ampliano migliaia di voci del loro lemmario, giunto ormai a quota 6500 definizioni. Senza la pretesa, per ovvie ragioni, di completismo, ma con l’obiettivo di fornire una mappa di navigazione al lettore che si trovasse a vagare in quel mare magnum che è il cinema mondiale, di ogni genere, paese e tempo. Attenzione, non troverete solo film nella Garzatina. Cinema a 360°, dai generi, alle maestranze, dalla critica ai termini tecnici e le teorie. Per contribuire a fornire al fruitore vere e proprie coordinate spazio-temporali dedicano le ultime pagine del volume alla cronologia cinematografica: per ogni anno, fin dalle sue origini, gli autori operano una breve selezione degli eventi più importanti (da diversi punti di vista: premi vinti, innovazioni tecnologiche, nascita di correnti o generi cinematografici) e li riportano in ordine cronologico.
Orientamento, come Canova sottolinea nella premessa, come sempre eurocentrico, senza però dimenticare l’esistenza di cinematografie altre rispetto a quelle che da sempre fanno la figura del leone. Dizionari ed enciclopedie ci hanno da sempre abituati ad una qualità della carta davvero al risparmio, per pesantezza e grana: bello sfogliare le Garzantine e ricordarsi della classica eccezione a conferma della regola.

Michelangelo Pasini

2010-01-13T15:27:00.003+01:00

Magazzini Salani - Sito Internet

Audrey Hepburn - Una vita da copertina - Scott Brizel

2010-01-13T14:15:00.008+01:00

SULLA CARTA - STORIA E STORIE DELLA SCENEGGIATURA IN ITALIA

Autori: Mariapia Comand (a cura di)

Casa editrice: Lindau, 2006, Torino

Collana: Saggi

Pagine: 320

Formato: 14 x 21

Prezzo: 22 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione di Nereo Battello

Introduzione. Carta canta di Mariapia Comand

1. La sceneggiatura, zona di mezzo di Giorgio Tinazzi
- 1.1. Il caso Cerami

2. Scenari. La sceneggiatura nel cinema muto di Silvio Alovisio
- 2.1 Dalle origini agli anni '20: una proposta di periodizzazione
- 2.2 Scrittori e cinema: alcuni modelli di relazione
- 2.3 Le prime assunzioni e l'istituzione dell'Ufficio soggetti
- 2.4 L'iter della sceneggiatura
- 2.5 Le forme della scrittura
- 2.6 Sceneggiatore e direttore di scena
- 2.7 Scrittura per il cinema e messa in scena
- 2.8 La scrittura delle didascalie
- 2.9 Un nuovo lessico professionale
- 2.10 I dialoghi e la recitazione
- 2.11 La progettazione scritta della scena

3. Prima e dopo l'immagine: percorsi tra testo letterario e filmico nel cinema degli anni '30 di Luca Mazzei
- 3.1 «Si gira!», quindi si stampi. La Cines-Pittaluga e i primi soggetti pubblicati
- 3.2 Figli di «N.N.»
- 3.3 La fabbrica dello sceneggiatore
- 3.4 Dialogico, quindi ferreo
- 3.5 Teoria e pratica dell'Ufficio soggetti
- 3.6 Prima del film e dopo la sceneggiatura
- 3.7 La creazione collettiva e il problema dell'autorialità
- 3.8 Dopo l'immagine: lo sceneggiatore come spettatore

4. Le ceneri di Balzac. Sceneggiatura e sceneggiatori nel neorealismo di Giuliana Muscio
- 4.1 La lezione di Barbaro
- 4.2 Lo sceneggiatore neorealista
- 4.3 Dal 1945 alla spaccatura del 1948
- 4.4 Amidei, Zavattini, Fellini, Pinelli
- 4.5 Gli ex di «Cinema»
- 4.6 In neorealismo della maturità
- 4.7 Esordi illustri

5. Cordoglio ed euforia. La sceneggiatura negli anni '50 di Federica Villa
- 5.1 L'osservanza del lutto
- 5.2 Riti di passaggio
- 5.3 Funerale all'italiana

6. Al servizio dell'autore. La sceneggiatura nel cinema dei «Maestri» degli anni '60 e '70 di Giacomo Manzoli
- 6.1 La modernizzazione come crisi sugli schermi italiani
- 6.2 Botteghe di scrittura al servizio degli Autori
- 6.3 Costruire l'impegno
- 6.4 Il caso Pasolini
- 6.5 Verso il declino

7. Commedia e dintorni. La scrittura di genere negli anni '60 e '70 di Andrea Pergolari
- 7.1 Una necessaria premessa
- 7.2 La commedia e i suoi autori
- 7.3 La luminosa scia di Age e Scarpelli
- 7.4 Adepti e seguaci
- 7.5 Solitari, irregolari e non integrati
- 7.6 Il caso Sonego
- 7.7 Ai margini del genere
- 7.8 Fuori dal genere
- 7.9 Il cinema comico
- 7.10 Gli anni '70: manierismo, disimpegno e pecoreccio
- 7.11 Gli sberleffi di Benvenuti e De Bernardi
- 7.12 Le ultime proposte

8. Morte e rinascita del «mestiere». Sceneggiatori e sceneggiature anni '80 e '90 di Vito Zagarrio
- 8.1 La sceneggiatura inesistente
- 8.2 Gli anni '80
- 8.3 Il grande imbuto televisivo
- 8.4 I veterani
- 8.5 I novissimi
- 8.6 Gli anni '90
- 8.7 Per una mappatura degli sceneggiatori anni '90
- 8.8 Conclusioni

9. Finale aperto. Narrazioni di fine millennio di Mariapia Comand
- 9.1 L'ennesima primavera del cinema italiano
- 9.2 Migrazioni e trasfigurazioni. La «grammatica della sospensione»
- 9.3 La sceneggiatura, avanguardia della memoria
- 9.4 Storie «glocal», discorsi aperti

10. Il romanzo popolare di Paolo D'Agostini
- 10.1 Su «La meglio gioventù» di Rulli e Petraglia

Bibliografia

Indice dei nomi

Brutto anatroccolo degli studi sul cinema, specialmente in Italia, la sceneggiatura ha negli ultimi anni ritrovato uno spazio sulla ribalta grazie al lavoro di giovani eccellenti ricercatori. Questa generazione di studiosi, nata a cavallo tra i '60 e i '70, si è ritrovata a condividere – dalle differenti torrette d'osservazione – la necessità di iniziare a ragionare sul ruolo specifico della sceneggiatura all'interno del processo di realizzazione (e nel contesto più ampio della storia del cinema italiano), da una prospettiva più lucida, depurata dei paradigmi teorici e ideologici con cui i loro predecessori si approcciavano alla materia. Fuori, dunque, dagli schemi semiologici e post-strutturalisti, liberi dalle maglie della teoria degli autori. Con Sulla carta Mariapia Comand chiama a raccolta parte della “meglio gioventù” degli studi cinematografici in merito: diviso per decenni il cinema italiano “scritto” viene sezionato dalle mani nient'affatto insicure di, tra gli altri, Silvio Alovisio (diventato in pochi anni un'autorità del muto italiano), Giacomo Manzoli ed Andrea Pergolari (entrambi, seppure da diverse prospettive, esperti di cinema popolare e di genere), Vito Zagarrio (forse l'unico che sappia districarsi negli inferni italiani degli ultimi tre decenni) e Federica Villa (studiosa torinese già autrice di importanti saggi sulla sceneggiatura). Ad incorniciare i contributi piuttosto fiacchi dei “vecchi” Battello, Tinazzi e Paolo D'Agostini. Singolarmente i contributi si mettono in evidenza per meriti storiografici (la ricerca inedita di Alovisio sulle carte della Itala), per prospettive di analisi interessanti (la Comand e Zagarrio sulla crisi del cinema italiano), per completezza (Manzoli) o per capacità di rinnovare un terreno tanto battuto (la Muscio con il neorealismo). Nel complesso il saggio, oltre ad essere lo studio più avanzato nel nostro paese, non difetta di leggerezza ed organicità.

Giuseppe Fidotta

2010-01-13T13:41:00.007+01:00

TARKOVSKIJ - LA NOSTALGIA DELL'ARMONIA

Autore: Francesca Pirani

Casa Editrice: Le Mani Microart's, Genova, 2009

Collana: Extralights

Pagine: 141

Formato: 23,5 x 28,5

Prezzo: € 12

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione: la propria solitudine

Andrej Rublev

- L'eredità difficile
- La storia e il racconto: di cosa parla il film?
- La storia
- Il racconto
- La prospettiva rovesciata e l'abbandono del controcampo

Stalker

- La storia
- Lo Scrittore, lo Scienziato, lo Stalker: tre forme di esistenza mancata
- La Zona: mondo fantastico o mondo irreale?
- L'assenza del controcampo: se ora ci fosse il vuoto?
- La perdita dell'armonia: la donna, lo Stalker, la figlia mutante

Offret/Sacrificio

- La storia
- In principio era il Verbo: un film di idee e di parole
- Dall'incertezza al dubbio: da Boriska ad Alexander
- La donna pagana, la bambina mutante, la strega buona: esiti dell'immagine femminile

Conclusioni. Il tempo si spegne nella mente: una fine annunciata

Filmografia

Bibliografia essenziale

Nonostante Andrej Tarkovskij sia riconosciuto da tutte le storiografie di cinema quale uno dei più grandi cineasti della modernità, si parla sempre meno della sua opera, inspiegabilmente ridimensionata dal recente oblio critico e oscurata da un pregiudizio che vuole il regista russo autore di film insopportabilmente lenti e affettati, in netto anacronismo con i nostri tempi vitalistici e accelerati, dominati dal bulimico consumo d’immagini di videoclip e pubblicità. Si tratta certamente di un cinema dai tempi dilatati, marcato da un approccio contemplativo, filosofico, ma che resta a tutt’oggi evocativo e seminale, considerata anche l’influenza e la vicinanza stilistica che Tarkovskij conserva nei riguardi di molti dei cineasti più talentuosi della nostra epoca, da Aleksandr Sokurov a Bèla Tarr, da Carlos Reygadas a Tsai Ming-Liang, senza dimenticare l’omaggio tributatogli di recente da Von Trier con il suo ultimo Antichrist.
Un’opera di soli sette lungometraggi in più di vent’anni di attività: pochi, pochissimi, per una voce artistica forte e innovativa, contraddistinta da un’impressionante cura per la composizione visiva, quasi pittorica, e un simbolismo magmatico e misterioso, che poco si presta a molesti sovrainterpretazionismi. Tra questi film, Francesca Pirani, regista e sceneggiatrice diplomatasi al Centro Sperimentale di Cinematografia, sceglie di concentrarsi su tre dei più celebri, Andrej Rubliov (1966), Stalker (1979) e Sacrificio (1986), designandoli come vertici di un’ideale trilogia poetica e filosofica. Tutti i tre film in questione vengono infatti analizzati dettagliatamente nelle scene-chiave e letti come allegorie oniriche capaci di far riaffiorare quella realtà dai contorni vaghi propria dei primi mesi di vita, in un sottile intreccio tra linguaggio della realtà e linguaggio del sogno, “occhio rivolto l’esterno” l’uno e “occhio rivolto verso l’interno” l’altro. Su questa tesi, indubbiamente suggestiva, si adagia questa sintetica riflessione critica che con “nostalgia dell’armonia” identifica proprio lo struggente rimpianto per la percezione pura e armoniosa dello stato neonatale, dove si è capaci di godere delle forme della natura senza le sovrastrutture psicologiche e percettive dell’irregimentazione adulta e dell’addomesticamento culturale. Grazie a questo saggio, nonostante sia appesantito da un sottotesto psicanalitico a tratti forzato e da argomentazioni leggermente ridondanti, i pregiudizi su Tarkovskij di cui in apertura risultano così pienamente e ironicamente ribaltati: mai ci fu cinema più ipnotico e coinvolgente del suo, rivolto quasi spiritualmente ai sensi più che al cervello, capace di esprimere con le sole immagini la supremazia della sensibilità sul pensiero razionale.

Michelangelo Pasini

2010-01-12T13:28:00.008+01:00

AUDREY HEPBURN - UNA VITA DA COPERTINA

Autore: Scott Brizel

Casa Editrice: Magazzini Salani, Milano, 2009

Collana: -

Pagine: 272

Formato: 23,5 x 28,5

Prezzo: € 28

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

Cinema, moda e rivista

L'infanzia e la guerra (1929-1947)

Gli anni inglesi e la scoperta (1948-1952)

Vacanze romane (1953)

Sabrina (1964-1955)

Ondine (1954), matrimonio e Premio Oscar

Guerra e pace (1956)

Cenerentola a Parigi (1957)

Arianna e Mayerling (1957)

La storia di una monaca (1958-1959)

Verdi dimore e Gli inesorabili (1959-1960)

Colazione da Tiffany (1961-1962)

Quelle due, Sciarada e Insieme a Parigi (1962-1964)

My fair Lady (1964-1965)

Come rubare un milione di dollari e vivere felici e Due per la strada (1966-167)

Da star del cinema a casalinga romana (1967-1975)

Da casalinga romana ad ambasciatrice della speranza (1976-1993)

Conclusione

Ringraziamenti

Audrey Hepburn è l’eccezione che conferma la regola. Quella delle belle ma frivole, delle affascinanti ma prive di talento, quella insomma che il cinema contemporaneo (e non solo il cinema) sta tentando di propinarci. E di questo straordinario connubio tra propensione alla recitazione e un fascino totalmente fuori dal comune se ne accorsero immediatamente tutti: prima alla Paramount Pictures, quando al primo provino la preferirono a Elizabeth Taylor per il ruolo della Principessa Anna in Vacanze Romane, poi Cary Grant che si adoperò per cambiare i titoli di testa del film affinchè ai nomi di entrambi venisse data la stessa importanza, ed infine arrivarono anche gli Academy Awards, che le conferirono l’Oscar come migliore attrice alla prima prestazione importante sul grande schermo. Il libro curato da Scott Brizel studia questa trasformazione attraverso i legami e gli intrecci che cinema, moda e stampa hanno sviluppato nel corso dei decenni e che Audrey più di tante altre ha contribuito a creare. La carriera dell’attrice vista attraverso le copertine delle riviste di tutto il mondo, in un susseguirsi senza soluzione di continuità di immagini da quotidiani, settimanali e mensili provenienti da ogni angolo del globo.
L’autore del volume è perfettamente conscio del significato di curatela di un libro fotografico, particolare che sembra sfuggire invece a diversi suoi colleghi. Non è infatti sufficiente eseguire un minuto lavoro di ricerca in biblioteche ed emeroteche dei quattro continenti e pubblicare i propri risultati in un libro con qualità di carta e stampa il più alta possibile. E’ condizione necessaria, certo, ma non assolutamente sufficiente. E’ infatti indispensabile prendere precise posizioni sulla parte testuale e didascalica del lavoro, nonchè sulla disposizione delle centinaia di fotografie selezionate. Scott Brizel capisce che deve prendere per mano il lettore attraverso il racconto della carriera dell’attrice, consapevole che per quanto celebre sia, è difficile che anche il fruitore più smaliziato possa conoscerne i risvolti della strada che l’ha portata al successo. Nel farlo però si rende conto di dover misurare il più possibile le parole, di dover riassumere e far divenire il testo semplicemente una traccia che apre il percorso verso ogni capitolo del cammino professionale della diva. Eccolo quindi far sentire la propria presenza ma in modo assolutamente discreto, fornire per ogni foto didascalie essenziali e chiare e soprattutto alternare le immagini in modo così elegante da sottolineare ulteriormente la bellezza dell’attrice. Il resto del lavoro lo fa la Hepburn, che con il suo sorriso dalle copertine di riviste italiane, statunitensi, giapponesi, cinesi, iraniane, e ancora malesi, francesi, brasiliane, fa di questo lavoro non un volume ma un vero e proprio oggetto d’arte e da collezione, venduto, tra l’altro, ad un prezzo discretamente contenuto. Sovracopertina, grande formato, pagine tutte a colori in carta lucida e pesante. Prezioso.

Michelangelo Pasini

2009-12-09T20:59:00.007+01:00

IL CINEMA DI TERENCE YOUNG

Autore: Mario Gerosa

Casa Editrice: Edizioni Il Foglio, Piombino, 2009

Collana: Cinema

Pagine: 313

Formato: 15x21

Prezzo: € 18

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione di Edward Coffrini dell'Orto

Introduzione di Dario Pm Geraci

Young, chi era costui?

I temi del cinema di Terence Young

Il signore di Shanghai

Venere in bikini

La Bond girl più amata dagli intellettuali

Il Bauhaus e la tarantola

SPECTRE all'italiana

Young? Assente

Schede monografiche dei film di Terence Young

Bibliografia essenziale

Il mio amico Terence di Aldo Zezza

Nota sull'autore

Merito, indiscutibile, delle Edizioni Il Foglio è operare una ricerca sui vuoti lasciati in Italia dalla letteratura cinematografica e tentare di colmarli. Ora bruciando sul tempo la concorrenza, come nel caso del volume su Paul Tomas Anderson, ora ripescando autori che invece inspiegabilmente nessuno si è filato nel tempo. Il cinema di Terence Young, a cura di Mario Gerosa (caporedattore di AD Architectural Digest, mica poco) appartiene alla seconda schiera.

Regista troppo poliedrico, eterogeneo e vitale per farsi ammaliare da un unico genere, Terence Young è dai più ricordato esclusivamente come il padre dei primi film di James Bond (ha diretto le prime due avventure dello 007 britannico ed il terzo episodio della serie) e poco altro. Quando va bene del cineasta si ricordano Gli occhi della notte, con Audrey Hepburn e il western con Charles Bronson intitolato Sole Rosso. Il resto della sua sterminata filmografia sembra avvolto in una nebulosa inesplorabile, vuoi per la superficialità della critica italiana che ha faticato a trovare una definizione per la sua poetica e quindi di conseguenza un posto per il suo cinema, vuoi perché le nuove generazioni, quelle che mangiano pane e dvd, si vedono tarpare immediatamente le ali perché di Terence Young è uscito davvero poco in digitale.

Per celebrare cotanto ecletticismo, pluralità di vedute, coprire un arco temporale cinematografico lungo quarant’anni, i frequenti salti tra un genere e l’altro, tra cinema alto e cinema basso, l’autore sceglie un approccio attrettanto vario. Dopo due brevi introduzioni, il libro prova a far luce nell’infinito mondo di Young attraverso una serie di interviste e testimonianze che ne restituiscono il carattere eclettico: Mario Gerosa incontra, tra gli altri, Ursula Andress, Luciana Paluzzi ed Ennio Morricone, alla ricerca di quelle informazioni di prima mano impossibili da reperire altrimenti. Ma la colonna portante dell’intero volume sono le schede monografiche dedicate alle pellicole: mentre in altre pubblicazioni le mere recensioni possono risultare poco più che un riempitivo, la difficile reperibilità di buona parte delle pellicole di Terence Young rende queste schede l’unico modo per conoscere certi film. Certo di tanto in tanto l’ampio spazio dedicato al riassunto della trama può irritare il lettore più navigato, ma sono peccati decisamente veniali per un’opera tanto informata.

Alcune recensioni avrebbero meritato un approfondimento maggiore, ad altri film si poteva dedicare più spazio, ma si tratta pur sempre della prima parola sull'argomento.
Chi ha sempre associato il cinema di Terence Young esclusivamente alle prime avventure di James Bond ha ora materiale con cui ricredersi.

Michelangelo Pasini

2009-12-08T14:15:00.006+01:00

GLI INTELLETTUALI ITALIANI E IL CINEMA

Autore: Gian Piero Brunetta

Casa Editrice: Bruno Mondadori, Roma, 2004

Collana: Le scene del tempo

Pagine: 179

Formato: 13,5x18,5

Prezzo: € 16

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

1. Scrivere con la luce
- La matita della natura
- Prima del cinema
- L’effetto cinema
- Il cinema è mio padre
- Musica cromatica e sinfonia visiva
- Virus ed elemento fecondante della letteratura
- Fonte di ispirazione letteraria e linguistica

2. La grande migrazione
- Una nuova Bibbia dei poveri
- Dalla biblioteca alla filmoteca dell’italiano
- La Diva come Luce di un nuovo giorno dello spettacolo
- I manifesti del cinema: le nuove forme dell’arredo urbano
- I primi richiami dell’industria della celluloide
- Padre Dante che sei nei cieli del cinema
- Metamorfosi del melodramma

3. Luogo della memoria
- I titoli dei film come esche, vasi di profumi e madeleines della memoria
- In nome del Lux, dello Splendor e del Palladium Lucifer…

4. L'attrazione fatale, ovvero l'odore dei soldi
- La “novissima forza”
- Le relazioni pericolose
- Passaggio di stato
- Giovanni Verga tra trappole e miraggi
- Viva San Cinematografo

5. Ferdinando Martini, il convitato di pietra del cinema italiano
- Luccichio dell’oro e lampi di guerra
- Musiche, parole e silenzi

6. L'ombra lunga di Pirandello sul cinema italiano
- Pirandello, “angelo necessario” del racconto cinematografico del Novecento
- Da Serafino a The Truman Show
- Un Moloch che divora l’anima
- L’oltre

7. Il futurismo
- Lo schermo come luogo della fuga in avanti
- Il cinema, la nuova arma della modernità
- Pirandello futurista

8. I cines-graffiti dai Taccuini di Emilio Cecchi

9. Mutamento di stato e invenzione di una lingua per lo schermo
- Alla ricerca di un nuovo ruolo e di una nuova identità per lo scrittore
- La letteratura, traghetto per la realtà

10. Autobiografia dell'homo cinematographicus
- Cinema come mondo e come maestro di vita

11. Un'anima divisa in due
- Un esercito di complemento
- Alberto Moravia, mastro Geppetto della critica cinematografica

12. Il sogno di far parlare le cose

13. Il cinema come fonte e alimento della letteratura
- Tracce di celluloide nella testa e sulla pagina
- Pensare e scrivere per immagini
- Lo schermo fonte di luce pentecostale e di ispirazione letteraria
- Gli ultimi figli del cinema

14. La letteratura come habitat
- Dalla letteratura alla ricreazione di un mondo perfetto e parallelo
- Orchestrare letteratura, geografia e storia con la macchina del tempo
- Il lungo viaggio di Pasolini dentro i classici

I luoghi della memoria

Indice dei nomi

Nel 1972 un giovane Brunetta dà alle stampe un importante saggio, Intellettuali, cinema e propaganda tra le due guerre, che lo lancia tra le nuove promesse della storiografia cinematografica italiana. Più di trent’anni dopo Brunetta, che nel frattempo nella storiografia cinematografica italiana ha assunto un ruolo quasi pontificale, ritorna con questo Gli intellettuali italiani e il cinema sui suoi passi, rielaborando e ampliando tutta la rete di relazioni che intercorrono tra il cinema, in particolare italiano, e le diverse generazioni di intellettuali che vi si sono accostati.
La specificità di Brunetta, come studioso e come storico, consiste nel considerare il fenomeno cinematografico sempre come la risultante di spinte provenienti da molteplici forze della società. Non soltanto un fenomeno artistico, ma anche sociale, economico, politico e culturale. Va da sé che da una simile prospettiva, più inedita di quanto si possa pensare, il cinema può riemergere in ogni anfratto della società italiana. Compreso, appunto, la componente intellettuale.
Ma non ci si deve certo aspettare dallo studioso padovano una semplice mappatura degli intellettuali in qualche maniera legati al cinema, bensì una ricognizione basata sulla pluralità di sguardi e di modalità con cui si verificano le relazioni tra il cinema e i protagonisti (anche di secondo piano) della cultura italiana.
Attraverso gli sterminati materiali consultati e l’acutezza dello studioso emergono relazioni inedite, dinamiche ed impensabili.
Se nella produzione di Brunetta questo saggio può considerarsi minore, un work in progress, non mancano però i passaggi cruciali che hanno il merito di gettare nuova luce sulle metodologie di ricerca e i percorsi della scrittura dell’autore. Ciò che manca è, invece, una bibliografia, la cui pesante assenza è compensata da un appendice in cui si mappano fondi e archivi dei più prestigiosi intellettuali italiani: l’aspirante ricercatore non può che gradire.

Giuseppe Fidotta

2009-12-03T17:27:00.003+01:00

CLINT EASTWOOD

Autore: Giulia Carluccio (a cura di)

Casa Editrice: Marsilio, Venezia, 2009

Collana: Elementi

Pagine: 172

Formato: 13,5x18,5

Prezzo: € 16,50

Lingua: Italiano

Indice:

Il cinema di Clint Eastwood. Questioni, paradossi, film, di Giulia Carluccio

Il cavaliere pallido, di Matteo Pollone

Gli Spietati, di Guglielmo Pescatore

Un mondo perfetto, di Vincenzo Buccheri

Mystic river, di Giulia Carluccio

Million dollar baby, di Giacomo Manzoli

Note al testo

Apparati

- Biografia, a cura di Matteo Pollone

- Filmografia, a cura di Matteo Pollone

- Bibliografia, a cura di Matteo Pollone

Prendete una figura come quella di Clint Eastwood, con alla spalle oltre trenta film da regista e chissà mai quanti da attore, scrivetene una pubblicazione esaustiva, completa, globale dopo una lunghissima letteratura in merito, fatelo anche nel milgiore dei modi possibile e state sicuro che vi leggeranno in pochissimi. E chi lo farà storcerà il naso per la prolissità e la complessità dell’opera. Prendete invece la filmografia dell’ultimo classico tra i registi americani, studiatela attentamente individuandone i film chiave e le tematiche portanti, stando bene attenti che le pellicole selezionate evidenzino sia le specificità di un corpus unico che la coerenza insita in esso e fatene un libro relativamente breve.

Con questa concezione Giulia Carluccio, Università di Torino, e Marsilio Edizioni, affrontano nella collana elementi una filmografia tanto dibattutta e magmatica che stonerebbe se analizzata con altro approccio. Il volume in questione contiene, oltre ad un’intelligente introduzione alla figura di Eastwood che lo colloca meglio all’interno della definizione l’ultimo dei classici, cinque saggi che studiano altrettante pellicole del regista, senza la spocchia di parlare esclusivamente dei suoi capolavori. Matteo Pollone nel suo Il cavaliere pallido studia il rapporto tra i generi cinematografici nella produzione di Eastwood partendo da Pale Ride, così come fa Guglielmo Pescatore nella sua analisi de Gli spietati. I saggi di Vincenzo Buccheri e Giulia Carluccio, rispettivamente su A Perfect World e Mystic River continuano il discorso iniziato nella prefazione, tentando di riposizionare e quindi elevare ulteriormente il cinema del regista ‘dagli occhi di ghiaccio’ attraverso una confutazione del suo approccio come meramente classico. I due saggi inoltre anticipano inoltre quanto dirà Giacomo Manzoli nel suo lavoro su Million Dollar Baby, un film capace di esemplificare l’atteggiamento curioso e critico del cineasta nei confronti dei dibattiti socio-culturali americani e la sua capacità di far convivere in un’unica, coerente, filmografia, personaggi ai margini della società ed (anti)eroi contraddittori.

Il tutto racchiuso in una confezione semplice ma elegante, con foto in bianco e nero ma nitide, dimensioni tascabili e prezzo abbordabilissimo.

Troviamogli un difettuccio dai: le note non sono a piè pagina ma in fondo al libro, rendendo così di tanto in tanto scomoda la lettura.

Michelangelo Pasini

2009-11-25T18:20:00.003+01:00

DIETRO I NOSTRI OCCHI

Autori: Luc Dardenne

Casa Editrice: Isbn, Milano, 2009

Collana:

Pagine: 336

Formato: 14x 22

Prezzo: € 16,50

Lingua: Italiano

Indice:

Dietro i nostri occhi (1991 - 2005)

Opere citate

Sceneggiature

- Il figlio

- L'enfant

- Il matrimonio di Lorna

Luc Dardenne è il fratello minore di Jean-Pierre. I fratelli Dardenne sono ormai una solidissima realtà del panorama cinematografico autoriale europeo. Le loro opere sono totalizzanti, nel senso che pongono lo spettatore davanti ad un bivio amore-odio a cui non si può sottrarre. Certamente i numeri ed i riconoscimenti stanno dalla loro parte: vincere nel giro di tre anni a Cannes prima la Palma d’oro con “L’enfant” (2005) poi il premio per la miglior sceneggiatura con “Il matrimonio di Lorna” (2008) non è affare di tutti i giorni.

Luc ha iniziato a tenere un diario nel periodo più buio della sua carriera cinematografica: a cavallo tra il 1991 e il 1992 esce “Je pense à vous”, un film poco riuscito che arriva a mettere in discussione l’intera struttura artistica e mentale dei fratelli Dardenne. “Cosa fare? Bisogna continuare a voler filmare? A fare dei film? Perché mai! Il brutto film che abbiamo appena girato dovrebbe guarirci definitivamente da questa illusione, da questa pretesa”. Luc teneva il diario pubblicato da ISBN da neanche un mese quando scrive queste parole, poche righe che descrivono sapientemente la situazione di tumulto interiore che lo sconvolgeva. E’ questa l’occasione migliore per appuntarsi idee, pensieri, letture e visioni quotidiane. E’ con questo spirito, critico, lacerato, dubbioso che inizia il diario che Luc Dardenne ha tenuto per quasi quindici anni e che si conclude, guardacaso, qualche mese prima dell’uscita, trionfante, di “L’enfant” nelle sale di tutto il mondo. Nelle sue pagine appunti, sensazioni, brevi e brevissimi scritti, piccole recensioni di film visti e di libri letti, parole che ci restituiscono il Luc Dardenne uomo e non solo uomo di cinema. Parole che, per stessa ammissione del regista, servono a migliorarsi, prima dal punto di vista umano poi dal punto di vista artistico.

La seconda parte del volume è dedicata, come già avveniva nell’edizione francese del volume intitolata “Au dos de nos images”, alle sceneggiature originali di “Il figlio”, “L’enfant” e “Il matrimonio di Lorna”, ultimi tre lungometraggi diretti dai fratelli Dardenne.

Un libro come questo è più un atto di amore e di coraggio che un’operazione commerciale. Perché se è vero che Luc e Jean-Pierre Dardenne sono diventati i paladini di un cinema europeo autoriale, di scrittura, che si oppone alle roboanti maestosità di Hollywood, e se è vero che le loro pellicole hanno ricevuto così tanti riconoscimenti in giro per il mondo, è anche vero che il loro cinema non è per nulla facile. Né da vedere, né, di conseguenza e a maggior ragione, da leggere. Per apprezzare completamente le parole del diario di Luc è necessario entrare in empatia con lui e per farlo è condizione necessaria, ma si badi bene non sufficiente, aver già metabolizzato le sue opere da regista. Non apprezzarle, ma per lo meno aver provato a dialogare con esse. Così come l’autore del diario ha voluto dialogare prima con sé stesso, nel momento della scrittura, poi con il suo pubblico nel momento della diffusione della sua opera più intima. Questo diario. Che raccoglie vita, cinema, letteratura, teatro, amore e disperazione.

Michelangelo Pasini

2009-11-25T17:49:00.003+01:00

FUOCO! IL CINEMA DI GIAN VITTORIO BALDI

Autori: Roberto Chiesi

Casa Editrice: Edizioni Cineteca di Bologna, Bologna, 2009

Collana:

Pagine: 296

Formato: 15 x 21

Prezzo: € 18 (con incluso il dvd Fuoco!)

Lingua: Italiano

Indice:

Sommersi, assediati e perduti.

- Introduzione al cinema indipendente di Gian Vittorio Baldi

L'avventura di uno sperimentatore

Interviste 1962-2007

- La realtà senza il superfluo. Intervista di A. Labarthe e L. Marcorelles, “Cahiers du Cinéma”, n. 131, maggio 1962

- Come una ferita aperta. Intervista di A. Labarthe, “Cahiers du Cinéma”, n. 206, novembre 1968

- La ricerca continua. Intervista di Roberto Chiesi, maggio 2007

Sceneggiatura

Fuoco! (1968)

Racconti

La valle degli usignoli (1996)

La dama con la veletta (2006)

Lettere 1960-1982

Filmografia

Bibliografia

“Anomalo” e “marginale” sono gli aggettivi che ricorrono più di frequente tra le parecchie testimonianze sul cinema di Gian Vittorio Baldi, riemerse e riprese nel fondamentale saggio che Roberto Chiesi dedica al cineasta-produttore emiliano. “Ignorato” potrebbe seguire a ruota. Perché che Gian Vittorio Baldi sia una delle figure più prestigiose e innovative del nuovo cinema italiano è una verità nota a pochi, mentre il grande pubblico ricorda e venera soltanto le star (Bertolucci, Bellocchio, Olmi e compagnia cantante).
Eppure basterebbero soltanto i nomi degli autori che Baldi ha prodotto per farne un monumento vivente di una stagione cinematografica gloriosa: Pasolini, Straub e Huillet, Bresson, Nelo Risi, la Maraini, Godard, Mingozzi. Niente da fare. Così, tocca a Roberto Chiesi, critico immerso ormai da anni nel Centro Studi Pasolini a Bologna, fare da apripista in uno studio che arriva esattamente a sessant'anni dagli esordi del regista.
Dell'apripista il volume Fuoco! ha tutti i crismi: l'intenso ritratto di Baldi, infatti, è costruito tassello dopo tassello con i materiali più eterogenei, documenti disparati ed un gran numero di voci che non temono la cacofonia che, come nel caso di molte lettere e di entrambi i racconti, a volte si genera.
Ciò non intacca minimamente la qualità complessiva della fatica di Chiesi, un lavoro accuratamente costruito sull'accumulazione (di fonti, di punti di vista) che del cinema di Baldi riporta tutta la carica innovatrice. L'esempio migliore è la lunga biografia (L'avventura di uno sperimentatore) nella quale l'autore indaga il profilo autoriale, pubblico e privato di Baldi restituendone una figura di enorme fascino ed innegabile centralità nel panorama nazionale e non.
Al volume, di cui è doveroso segnalare anche la ricchezza iconografica e la bibliografia sterminata, è abbinato in dvd lo splendido Fuoco! (1968), una scelta che valorizza ancor di più la felice (e coraggiosa) operazione di promozione voluta dalla Cineteca di Bologna.

Giuseppe Fidotta

2009-11-19T18:18:00.005+01:00

IL CINEMA COREANO CONTEMPORANEO - IDENTITA', CULTURA E POLITICA

Autori: Hyangjin Lee

Casa editrice: ObarraO Edizioni, Milano, 2006

Collana: In - Asia

Pagine: 350

Formato: 13x21

Prezzo: 22,50 €

Lingua: Italiano

Indice:

Elenco del immagini

Presentazione di Paolo Bertolin

Prefazione all'edizione italiana

Prefazione all'edizione originale

Il Cinema Coreano Contemporaneo

Introduzione

Creazione dell'identità nazionale

- Il cinema coreano durante il periodo coloniale giapponese

- Lo sviluppo del cinema nord-coreano

- Lo sviluppo del cinema sud-coreano

Generi sessuali e adattamenti cinematografici del racconto popolare Ch'hnhyangjon

- Le origini della Ch'unhyangjon

- Il significato della
Ch'unhyangjon nella storia del cinema coreano

- La figura di Ch'unhyangjon nei film sud-coreani

- La figura di Ch'unhyangjon nei film nord-coreani

- Ch'unhyangjon e le relazioni legate ai generi sessuali nella società coreana

- Classi sociali e valori tradizionali della famiglia nella Ch'unhyangjon

Identità nazionale e rappresentazione cinematografica della storia

- L'antimperialismo in tre film nord-coreani

- L'anticomunismo in tre film sud-coreani

- Famiglia e identità nazionale

Classi sociali e identità culturali nella Corea contemporanea

- I conflitti di classe in tre film nord-coreani

- La dinamica di classe in tre film sud-coreani

- Esperienza dei rapporti di classe e tradizione culturale

La Corea del Sud dal 1999: dalla divisione al movimento per l'unificazione

- La creazione di un blockbuster coreano

- La storia e la narrazione nei drammi centrati sulla divisione nazionale

- Una nazione-famiglia: "Posso chiamarti fratello?"

- Immaginazione cinematica, memoria e storia

- Da nemici a vittime e compagni: l'evoluzione dell'immagine dei nord-coreani

Conclusioni

Filmografia

Bibliografia

Indice analitico

Indice dei nomi e dei film

Quella coreana e' stata ed e' tutt ora una delle cinematografie più influenzate dalla travagliata storia politica che ha coinvolto la nazione negli ultimi cento anni. Hyangjin Lee sceglie quindi di scrivere un volume che non sia solamente una storia del cinema coreano (attenzione, il titolo e' fuorviante, il volume prende in analisi il cinema della Corea, del nord e del sud, fin dai suoi albori), ma che mostri come lo studio di 'identità, cultura e politica' sia imprescindibile non solo per analizzare le pellicole coreane, ma per apprendere i meccanismi che stanno alla base di tutta la produzione cinematografica del paese.
Grazie ad un'accurata selezione delle opere analizzate, dei modelli letterari a cui queste spesso si ispirano e airiferimenti storico-sociali sempre in primo piano, Hyangjin Lee guida anche il lettore meno esperto (a patto che questi si armi di pazienza e voglia di affrontare un libro per nulla semplice) attraverso cent' anni di cinema coreano, sottolineando di volta in volta la distanza tra le produzioni del nord e del sud, non esitando pero' a ricercare quegli elementi che rendono il cinema coreano in toto lo specchio del sogno degli abitanti di vedere finalmente una Corea unita.
Ai quattro capitoli dell edizione originale (il primo con un approccio più storico, il secondo, con il suo studio della rappresentazione del racconto Ch'unhyangjon, con un approccio trasversale ed interdisciplinare, il terzo e il quarto che analizzano le colonne portanti della societa' coreana attraverso la rappresentazione di queste nella settima arte) l'autrice integra, appositamente per l'edizione italiana, un capitolo dedicato al cinema coreano contemporaneo, post 1999, e agli anni nei quali, finalmente, anche l'occidente sembra essersi accorto di certi registi.
Indice analitico e bibliografia sterminata sembrano la ciliegina sulla torta di un volume estremamente curato anche sotto l'aspetto grafico (foto pero' in bianco e nero), che nonostante il prezzo un po' altino resta il volume più completo disponibile in italiano.

2009-11-03T12:34:00.008+01:00

FUGHE DA HOLLYWOOD - I DIECI ANNI CHE SCONVOLSERO IL CINEMA AMERICANO

Autori: Simone Emiliani e Carlo Altinier

Casa editrice: Le Mani Microart's, Genova, 2009

Collana: Cinema

Pagine: 334

Formato: 14x21

Prezzo: 18 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

La metemorfosi: il libro e il documentario Easy Riders Raging Bulls

- Il documentario

- Prima della rivoluzione

- Il re della serie B

- Si spalancano le porte

- La libertà amico, è la cosa più importante

- L'uomo che sarebbe diventato re

- Easy Rider perde colpi

- L'ondata successiva

- I pazzi prendono il comando del manicomio

- La rivincita dei Nerds

Tieni l'azione, taglia il resto: Roger Corman

- L'uomo che fuggì verso il futuro

- Altre anime cormaniane: Coppola, Bogdanovich, Scorsese

Underground Hollywood

- Il New American Cinema

- Il cinema che fuggì dal futuro

- Flaming Bodies, Fading Bodies

Strade senza ritorno: il road movie

- Le origini

- Ribelli senza causa

- On the road

- Gli inizi, da Roger Corman a Dennis Hopper

- Ritorno al passato

- Nel segno della velocità

- Criminali in fuga

- Contaminazione

Quel che resta della vecchia Hollywood

- I resti della Vecchia Hollywood

- Le mutazioni del tempo

- A metà strada

- Instabilità

- Dentro al nuovo cinema

- Ritorno dall'ombra

I nuovi autori e i nuovi divi

- Gli artefici del cambiamento

- Nuove inquitudini

- Europei ad Hollywood: un equilibrio delicato

- La nuova ondata

- I cineasti essenzialmente legati alla New Hollywood

- Altre figure

- I nuovi divi

- Attori dietro la macchina da presa

Malinconie metropolitane

- Fughe all'estero

- Le mille luci di New York

- Dall'esterno

- Oltre il passato

- Sulle strade del poliziesco

- Città-Stato: Rocky, Tutti gli uomini del Presidente e Provaci ancora Sam

- Le colline del desiderio: Hollywood/Los Angeles

Atmosfere, forme, generi

- Alla ricerca della libertà

- Fughe sonore

- La blaxploitation

- Viaggio nei generi tra classicismo e modernità

Bibliografia

Indice dei nomi e dei film

Erano gli anni in cui mostri sacri del calibro di Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas e Brian De Palma, per citare i più celebri, e John Milius, Michael Cimino e Bob Rafelson, per scivolare nel meno conosciuto, muovevano i primi passi nel mondo della settima arte, chi sui set della factoru di Corman, chi facendo gavetta per il piccoo schermo, chi facendo dello studio e della frequentazione di aule universitarie e sale di cinema off la sua palestra prediletta. Il mondo stava cambiando, il Vietnam e la polemica che ne scaturì, scuoteva gli Stati Uniti, le rivolte studentesche del ’68 facevano altrettanto con l’Europa. Il cinema stesso stava cambiando pelle: da una parte non si poteva fare a meno di confrontarsi con la rivoluzione portata delle nouvelle vagues europee e dall’altra si bisognava fare i conti con la crisi, di idee e di pubblico, che già da qualche hanno aveva coinvolto la Hollywood che conta. Il talento e la rabbia di un pugno di giovanissimi cineasti nati tra la fine degli anni ’30 e la metà degli anni ’40 fecero il resto.

A Simone Emiliani e Carlo Altiniernon importa che la letteratura sulla New Hollywood sia così ampia ed approfondita: i due, anzi, forniscono una lettura del fenomeno che tiene conto di quanto scritto finora sull’argomento, organizzando fonti ed informazioni in un percorso che si allontana dall’approccio puramente critico per avvicinarsi ai più placidi e oggettivi lidi della storia del cinema. Partendo dall’analisi del libro e del documentario Easy Riders Raging Bulls, gettando quindi immeditamente il lettore in media res, gli autori compiono un viaggio che evita di cadere nel tranello di analizzare nello specifico le pellicole più importanti del genere, preferendo un taglio che studi le dinamiche produttive del nuovo cinema hollywoodiano e che approfondisca i rapporti che esso ha intrattenuto con tutto ciò che lo ha preceduto (dalle già citate nouvelle vagues europee all’underground cinema del periodo immeditamente precedente) e che intrattiene tutt’ora con il cinema moderno che è inevitabilmente influenzato dalle innovazioni portate dalla New Hollywood. Le questioni sociali che favoriscono la nascita di questo macro e meta genere sono lasciate sullo sfondo optando per un’analisi cinematografica che non faccia della sociologia la sua base fondante.

Fughe da Hollywood è un libro che non si fa spaventare dalla materia analizzata, che non ha paura di scendere nel dettaglio e di snocciolare nomi e cognomi non solo dei protagonisti ma anche dei comprimari, che non teme di sfondare il muro delle trecento pagine e che si aiuta nell’organizzazione del lavoro con un indice analitico estremamente curato.

Fughe da Hollywood parla del cinema che ha fatto grande la Hollywood degli anni ’70, che ha regalato agli spettatori film larghi, lunghi, grossi, grandi, come Il Padrino, Lo squalo, Taxi Driver, e per farlo capisce di dover adattarsi al linguaggio dell’arte che analizza: rimanere sempre estremamente intelleggibile, non scordando però dettagli e puntualizzazioni che possono fare la differenza.

Michelangelo Pasini

2009-10-31T20:10:00.001+01:00

Fab Press – Sito Internet

Violent Professional, A - The Films of Luciano Rossi - Kier-La Janisse

2009-10-31T20:04:00.002+01:00

Joint Publishing – Sito Internet

Milkyway Image, Beyond Imagination - Wai Ka-Fai + Johnnie To + Creative Team (1996 - 2005) - Lawrence Pun

2009-10-31T19:57:00.002+01:00

Hong Kong University Press - Sito Internet

Director in action - Johnnie To and the Hong Kong Action Film - Stephen Teo

2009-10-31T19:47:00.004+01:00

Roli Books – Sito Internet

Bollywood - A History - Mihir Bose

2009-10-31T19:37:00.003+01:00

FILMUNIO HUNGARY

Filmuniò Hungary – Sito Internet

Béla Tarr - Jytte Jensen (a cura di)

2009-10-31T19:27:00.002+01:00

FILM BIWEEKLY

Film Biweekly Publishing House

At The Hong Kong Movies - 600 reviews from 1988 till the handover - Paul Fonoroff

2009-10-31T19:15:00.002+01:00

Palgrave MacMillan - Sito Internet - Sezione Cinema

1000 Bollywood Films - Rachel Dwyer

2009-10-31T02:35:00.002+01:00

Utet - Sito Internet

Manuale del film - Linguaggio, racconto, analisi - Gianni Rondolino, Dario Tomasi

Storia del cinema d'animazione - Dalla lanterna magica a Walt Disney, da Tex Avery a Steven Spielberg - Gianni Rondolino

2009-10-31T02:29:00.002+01:00

Un Mondo a Parte - Sito Internet

Il terrorista dei generi - Tutto il cinema di Lucio Fulci - Paolo Albiero, Giacomo Cacciatore

2009-10-31T02:20:00.004+01:00

UBULIBRI

Ubulibri - Sito Internet

Fanny e Alexander - Un romanzo - Ingmar Bergman

Film liberano la testa, I - Rainer Werner Fassbinder

2009-10-31T02:13:00.001+01:00

TOURING EDITORE

Touring Club Editore - Sito Internet

E nel cielo nuvole come draghi - Hong Kong tra storia e leggenda - Stefano Di Marino

2009-10-31T02:03:00.002+01:00

STAMPA ALTERNATIVA

Stampa Alternativa|Nuovi Equilibri - Sito Internet

Cinema e Cinema - Vladimir Majakovskij

2009-10-31T01:45:00.002+01:00

Editrice Punto Zero (1996 - 2001)

Operazione Paura - I registi del gotico italiano - Antonio Bruschini, Antonio Tentori

2009-10-31T01:35:00.001+01:00

Profondo Rosso Edizioni - Sito Internet - Sezione Cinema

Erotismo, orrore e pornografia secondo Joe D'Amato - Gordiano Lupi

2009-10-31T01:29:00.002+01:00

Il Saggiatore - Sito Internet

Il cinema secondo Hitchcock - François Truffaut

2009-10-31T01:05:00.002+01:00

Morpheo Edizioni - Sito Internet

Sette note in nero di Lucio Fulci - Viaggio nel cinema della precognizione e del Tempo - Giovanni Modica

2009-10-31T01:01:00.002+01:00

MEDIA WORLD

Media World

99 Donne - Stelle e stelline del cinema italiano - Davide Pulici, Manlio Gomarasca (a cura di)

2009-10-30T16:49:00.002+01:00

Iperborea - Sito Internet

Tre Diari - Ingmar Bergman, Maria von Rosen, Ingrid von Rosen

2009-10-30T16:43:00.002+01:00

INTERLINEA EDIZIONI

Interlinea Edizioni - Sito Internet

Cinema a Natale - Da Renoir a Vanzina - Giorgio Simonelli

2009-10-30T15:33:00.003+01:00

IGOR MOLINO EDITORE

Igor Molino Editore

Colori del buio, I - Il cinema thrilling italiano dal 1930 al 1979 - Luca Rea

Vizietti all'italiana - L'epoca d'oro della commedia sexy - Marco Bertolino, Ettore Ridola (con la partecipazione di Luca Rea e Riccardo Esposito)

2009-10-30T15:23:00.002+01:00

Gremese Editore - Sito Internet - Sezione Cinema

Film di Federico Fellini, I - Claudio G. Fava, Aldo Viganò

Stanley Kubrick - Marcello Walter Bruno

2009-10-30T15:08:00.002+01:00

GRANATA PRESS

Granata Press (1990 - 1996)

Fant'Asia - Il cinema fantastico dell'Estremo Oriente - Riccardo Esposito, Max Della Mora, Massimo Monteleone

Mondi incredibili - Il cinema fantastico-avventuroso italiano - Antonio Bruschini, Antonio Tentori

2009-10-30T12:36:00.003+01:00

Giuseppe Maimone Editore - Sito Internet - Sezione Cinema

Il cinema di Vittorio De Seta - Alessandro Rais (a cura di)

2009-10-30T12:30:00.007+01:00

Garzanti Libri - Sito Internet

Figlio più piccolo, Il - Pupi Avati

Garzantine cinema, Le - Gianni Canova (a cura di)

Lanterna magica - L'autobiografia del maestro del cinema - Ingmar Bergman

Palpebre - Gianni Canova

2009-10-30T12:26:00.000+01:00

Frassinelli Editore - Sito Internet

Stracult - Dizionario dei film italiani - Marco Giusti

2009-10-30T12:19:00.001+01:00

Giulio Einaudi Editore - Sito Internet - Sezione Cinema

Guida alla storia del cinema italiano - 1905 - 2003 - Gian Piero Brunetta

2009-10-30T12:11:00.005+01:00

Edizioni Il Foglio - Sito Internet - Sezione Cinema

Cinema di Shinya Tsukamoto, Il - Andrea Fontana, Davide Tarò, Fabio Zanello (a cura di)

Cinema di Terence Young, Il - Mario Gerosa

Non è tempo di eroi - Il cinema di Johnnie To - Matteo Di Giulio, Fabio Zanello (a cura di)

Piovono rane dal cielo - Il cinema di Paul Thomas Anderson - Diego Mondella

2009-10-30T12:02:00.002+01:00

Editori Riuniti - Sito Internet

Carpenter Romero Cronenberg - Discorso sulla cosa - Lorenzo Esposito

2009-10-30T11:56:00.002+01:00

Edizioni Kaplan - Sito Internet

Cinema postmoderno, Il - Laurent Jullier

2009-10-30T11:50:00.001+01:00

Casa editrice Clueb - Sito Internet

Occhio mio Dio - Il new american cinema - Alfredo Leonardi

2009-10-29T20:53:00.003+01:00

Cineteca di Bologna - Sito Internet - Edizioni Cineteca

Fuoco! Il cinema di Gian Vittorio Baldi - Roberto Chiesi

Nuvole in paradiso - Una guida al cinema finlandese - Peter Von Bagh

Sam Peckinpah - Il ritmo della violenza - Franco La Polla (a cura di)

Un altro West - Le foto di Angelo Novi sui set dei western all'italiana - Franco La Polla (a cura di)

2009-10-29T18:13:00.003+01:00

Centro Espressioni Cinematografiche - Sito Internet

Patrick Tam: dal cuore della New Wave - Alberto Pezzotta (a cura di)

2009-10-29T17:50:00.003+01:00

Carocci Editore - Sito Internet

Cinema arabo, Il - Aldo Nicosia

Critica cinematografica, La - Alberto Pezzotta

2009-10-29T17:39:00.003+01:00

Bulzoni Editore - Sito Internet

Lucidi disincanti - Forme e strategie del cinema postmoderno - Alberto Negri

2009-10-29T14:58:00.006+01:00

IL CINEMA ARABO

Autori: Aldo Nicosia

Casa editrice: Carocci, Roma, 2007

Collana: Le bussole - Spettacolo

Pagine: 128

Formato: 12,5x20

Prezzo: 10 €

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa

Introduzione

1.Il cinema egiziano
- La nascita di Hollywood sul Nilo
- Da Nasser fino alla naksa
- Da Sadat agli anni ottanta
- Dall'autobiografia all'incontro con l'Altro
- Dal realismo degli anni novanta a oggi
- L'intellettuale, l'integralismo e il potere
- Per riassumere…

2.Il cinema siriano
- Il cinema al servizio del partito Ba‘th
- La fiction di Stato
- Il prodigio del settore privato
- La causa palestinese e l'antisionismo
- Il cinema d'autore degli anni ottanta
- Dagli anni novanta a oggi
- Per riassumere…

3.Il cinema del resto del Medio Oriente
- Il cinema in Palestina
- Il cinema in Libano
- Il cinema in Iraq e nei paesi del Golfo
- Per riassumere…

4.Il cinema del Maghreb
- Introduzione
- Il cinema in Algeria
- Il cinema in Tunisia
- Il cinema in Marocco
- Il cinema ai confini del Maghreb: Libia e Mauritania
- Per riassumere…

Conclusioni

Appendice

Bibliografia

Indice dei registi

Indice dei film

Allo studioso armato di buona volontà che intende divulgare il cinema arabo in Italia si parano davanti due scogli insormontabili contro i quali con buona stima andrà a cozzare. Il primo: in Europa, e in Italia ancora peggio, la conoscenza del cinema arabo è pari ad uno sparuto elenco di film (una dozzina, al massimo) e di autori (non più di cinque) che hanno conosciuto la grazia festivaliera della visibilità internazionale. Il secondo: nei paesi di lingua araba il cinema non è né un rito sociale né un'istituzione né una pratica culturale diffusa, ma un qualcosa di più evanescente difficilmente comprensibile ad un occidentale. Giunti a questo punto di solito si cita il fatto che in Arabia Saudita (25 milioni di abitanti) non esistono sale cinematografiche.
Pertanto uno studioso di cinema arabo deve possedere un bagaglio di strumenti, pratiche e capacità di ben diversa portata rispetto ai canoni storiografici sedimentati nel secolo appena trascorso. E Aldo Nicosia, autore de Il cinema arabo coraggiosamente edito da Carocci, parrebbe avere tutte le carte in regola: una profonda conoscenza dell'universo arabo che emerge in tutti gli snodi cruciali del volume, una passione fatta di dedizione per un cinema invisibile, un'indiscutibile competenza. Eppure questi ingredienti non bastano da soli.
Lo studio fa fatica ad approfondire i caratteri portanti del cinema arabo, limitandosi spesso a svolazzare di film in film per analogie cronologiche e tematiche oppure, operazione pur di gran valore, ad impastare storia politica e culturale per poi leggerne i riflessi nel cinema. Al discorso sull'autore, appena accennato soltanto per Shahin (o Chahine com'è più noto), viene privilegiato il discorso sul film, frequentemente presentato sotto forma di breve sinossi e brevissima analisi più sociologica che critica. Analoghe pecche condiscono il discorso più squisitamente storiografico: i dati latitano, la reale portata del fenomeno cinematografico permane sullo sfondo, il pubblico non è altro che un'entità impalpabile. È innegabile che l'autore meriti degli encomi, poiché comunque si tratta di un'apripista ed opera in situazioni a dir poco disagevoli, anche quando è la superficialità a farla da padrona. Superficialità che, seppur chiamata essenzialità, è la stessa collana – Le bussole – ad esigere categoricamente.
La notevole bibliografia – a maggioranza francese, com'è ovvio – tenta di riempire i buchi di un lavoro destinato ad essere superato.

Giuseppe Fidotta

2009-10-29T14:07:00.005+01:00

BASTARDI SENZA GLORIA

Autori:Quentin Tarantino

Casa editrice: Bompiani, Milano, 2009

Collana: -

Pagine: 164

Formato: 15x21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Capitolo Uno

Un tempo... nella Francia Occupata dai Nazisti

Capitolo Due

Inglorious Basterds

Capitolo Tre

Una serata tedesca a Parigi

Capitolo Quattro

Operazione Kino

Capitolo Cinque

La vendetta della faccia gigante

Di ogni film di Quentin Tarantino si parla e straparla finchè sia critica che pubblico arrivano ad esserne disgustati. Di Bastardi senza gloria si è scritto, se possibile, ancora di più. Perché il cineasta di Knoxville ha scritto e riscritto soggetto e sceneggiatura del film decine di volte, perché prima ha dichiarato di stare girando un vero e proprio remake di Quel maledetto treno blindato di Castellari e poi ha smentito dicendo di aver conservato del film solamente il titolo e qualche atmosfera ed idea interessante. Poi finalmente ha dato una svolta a tutto il chiacchiericcio che nel frattempo era montato rendendo disponibile in rete, nell’estate del 2008, la sceneggiatura che avrebbe poi composto l’impalcatura definitiva di Bastardi senza gloria.
La necessità di ritornare ai contenuti, ricominciare a legare ad una forma sempre impeccabile un plot solido e di relegare in secondo piano l’infinito gioco di citazioni che aveva ormai tipizzato il cinema di Tarantino, serpeggiava nell’aria. Bastava coglierla.
Il ritorno al cinema come “scrittura” giustifica quindi ampiamente l’uscita di un volume come questo che racchiude la sceneggiatura originale di Bastardi senza gloria. Il libro, in poco meno di duecento pagine, riporta scena per scena il film come lo abbiamo visto al cinema, fornendo al lettore la prova ulteriore del talento del regista di Kill Bill: il gap tra parola scritta ed effetto su grande schermo è qui più profondo che in qualsiasi altro raffronto tra la sceneggiatura ed il film che ne nasce. Questo libro quindi non è semplicemente una sceneggiatura rilegata, ma la prova lampante di come un uomo possa plasmare la parola scritta e farne un film tanto potente.
Bompiani riserva un'attenzione particolare alla grafica e all'estetica del volume, impreziosendone ulteriormente la copertina con una fascetta trasparente che riporta una mini introduzione di Enrico Ghezzi all'universo Tarantino.
Solo per fan sfegatati? Forse.

Michelangelo Pasini

2009-10-09T18:15:00.000+02:00

MONDADORI ELECTA

Mondadori Electa - Sito Internet

Ombre elettriche - Cento anni di cinema cinese - 1905-2005 - Marco Müller, Elena Pollacchi (a cura di)

2009-10-09T18:08:00.003+02:00

Bruno Mondadori - Sito Internet

Che cos'è il cinema - Fernaldo Di Giammatteo

Intellettuali italiani e il cinema, Gli - Gian Piero Brunetta

2009-10-09T17:46:00.002+02:00

UNIVERSITARIA EDITRICE

Universitaria Editrice

Dizionario dei film di Hong Kong, Il - Giona A. Nazzaro, Andrea Tagliacozzo

2009-10-09T17:36:00.006+02:00

Bompiani - Sito Internet

Ba stardi senza Gloria - Quentin Tarantino

Conversazioni su di me e tutto il resto - Woody Allen con Eric Lax - Eric Lax

Cose (mai) dette - Fuoriorario di Fuoriorario (librorale) - Enrico Ghezzi

L'occhio del Novecento - Cinema, esperienza, modernità - Francesco Casetti

2009-10-09T17:19:00.002+02:00

MONDADORI

Mondadori - Sito Internet

Dizionario del western all'Italiana - Marco Giusti

Lars Von Trier - Il cinema come Dogma - Conversazioni con Stig Bjorkman

2009-10-08T15:00:00.001+02:00

MORETTI & VITALI EDITORE

Moretti & Vitali - Sito Internet

Riflessi da un paradiso - Scritti sul cinema - Gabriella Palli Baroni

2009-10-08T14:49:00.007+02:00

ATTILIO BERTOLUCCI - RIFLESSI DA UN PARADISO - SCRITTI SUL CINEMA

Autori: Gabriella Palli Baroni (a cura di)

Casa editrice: Moretti & Vitali, Bergamo, 2009

Collana: I Volti di Hermes

Pagine: 509

Formato: 14,5x21

Prezzo: 25 €

Lingua: Italiano

Indice:

L'officina dei sogni e delle memorie

Nota

Premessa - Il cinema che ho amato

Cinema

- Recensioni di film prodotti dal 1945 al 1951

Cinema

- Recensioni di film prodotti dal 1952 al 1953

Bibliografia

Indici

- Indice alfabetico dei film e di Lanterna Magica

- Indice dei registi

- Indice degli attori

- Indice dei nomi degni di nota

E’ difficile che il cognome Bertolucci suoni nuovo ad un qualsiasi italiano. Per quasi tutti il riferimento immediato è Bernardo Bertolucci, vincitore, tra gli altri premi, di nove premi oscar con L’Ultimo Imperatore. Altri si ricorderanno anche del di lui fratello, Giuseppe, più sceneggiatore cinematografico che regista.
In pochi saranno, soprattutto dei più giovani, a ricordarsi di Attilio Bertolucci, padre dei due grandi uomini di cinema sopra citati e sicuramente colui che ha instillato l’amore per la settima arte in Bernardo e Giuseppe. Attilio Bertolucci, quasi sempre citato come il poeta Bertolucci, è stato in realtà molto più che un “semplice” scrittore di versi di rima. E’ stato l’incarnazione perfetta di quello che una volta veniva definito “animatore culturale”, essendosi occupato, e spesso distinto, ora di poesia, ora di cinema, ora di critica, ora di sceneggiatura, televisione, storia dell’arte e infine anche interpretariato e traduzione.
E’ nel 1925 che Attilio, poco più che quindicenne, scopre il mondo del cinema: l’iconografica immagine di un ragazzino sprofondato nelle poltrone delle sale buie e fumose dei cinema di allora, incantato davanti ad immagini in movimento che prima di allora non aveva mai nemmeno sognato di vedere, nel periodo del grande cinema muto e delle sue celeberrime dive, non è molto lontano da come ci immaginiamo il piccolo Bertolucci quando giorno dopo giorno andava ad ammirare i capolavori di Chaplin, Dreyer e Murnau. Fino a quando fa di questo amore, così puro ed incontaminato, il suo lavoro, o almeno parte del suo lavoro. All’attività di poeta affianca infatti quella di giornalista cinematografico, scrivendo quotidianamente su “Gazzetta di Parma” e “Giovedì” tra il 1945 e il 1953.
Gabriella Palli Baroni ripropone in questo voluminoso ed impegnativo tomo gran parte della sua attività di critico e recensore cinematografico, infarcendo il libro sia dei pezzi più estemporanei e all’impronta, scritti appunto per la “Gazzetta”, sia di quegli scritti più ragionati e di più ampio respiro pubblicati sul “Giovedì”. La magia di questa raccolta è doppia: da una parte dagli articoli riportati, completi di titolo originale, note a margine, data e luogo di pubblicazione, traspare tutto l’acume interpretativo e la capacità critica dell’autore di analizzare film dalle foggie più disparate, dall’altra riflettono la fervente passione dell’autore per la settima arte, che ha conosciuto come semplice spettatore negli anni del muto e che è chiamato a giudicare in uno dei momenti più fiorenti ed interessanti che il cinema abbia mai toccato. Sono gli anni di Arsenico e vecchi merletti, ma anche quelli di La dalia azzurra, di Dumbo, ma anche de Il tesoro della sierra madre e di Ladri di biciclette. E’ una felicità, una soddisfazione amarissima quella del lettore di Riflessi da un paradiso, curioso di seguire il percorso critico giornaliero di un illuminato critico, ma spossato dal gap con il proprio presente cinematografico: se Attilio Bertolucci ogni sera andava al cinema galvanizzato per recensire certi capolavori, ha ancora senso il mestiere del critico della settima arte, costretto a sorbirsi giorno dopo giorno, settimana dopo settimana, l’ennesima polpetta dell’ultimo clone dell’ultimo Tornatore?
Non è un libro facile quello curato da Gabriella Palli Baroni. Non lo è per mole e per contenuti. Approcciare una raccolta di recensioni di oltre cinquecento pagine non è facile. E’ ancora meno facile leggerla dalla prima all’ultima pagina. Il mio consiglio è prenderla a spizzichi e bocconi, leggendone un paio di scritti per volta, magari ci si trova a rispolverare un Hitchcock che si voleva rivedere da tempo. Per potersi calare per qualche minuto nei panni di una figura ormai scomparsa: quella del recensore, sempre perennemente affascinato da quelle immagini in movimento che per noi sono diventate niente più che normalità.

Michelangelo Pasini

2009-10-02T01:45:00.006+02:00

NANNI MORETTI - CARO DIARIO

Autori: Federica Villa

Casa editrice: Lindau, Torino, 2007

Collana : Universale film

Pagine: 110

Formato: 13,5x19

Prezzo: 12 €

Lingua: Italiano

Indice:

Moretti, l'altrui cinema e il cinema italiano

Il film

Suddivisione delle sequenze

All'origine

Sinossi

«Caro diario», giro di boa

«In vespa»: scrittura comunque necessaria

«Isole»: un'antologia e un lascito

«Medici»: autobiografia disattesa

Dopo «Caro diario»

Antologia critica

Bibliografia

Certe collane editoriali, come i Castori cinema, sfornano a ritmi discreti dei prodotti caratterizzati primariamente da una struttura ed una forma fortemente standardizzate. Gli autori, anche i più apprezzati, si trovano ingabbiati in schemi obbligati e il rischio defaillance critica è sempre dietro l'angolo. L'Universale film di Lindau raddoppia il rischio richiedendo un'analisi di film generalmente celebrati che sia al tempo stesso di una certa originalità e per il grande pubblico. Una sfida non da poco. Ecco perché, all'interno di un già felice assortimento di autori, quello di Federica Villa, autrice assieme a Giulia Carluccio di diversi testi sull'analisi e la post-analisi, è un nome che non sfigura affatto.
Nanni Moretti - Caro diario scopre subito le carte e già da principio si propone di aggirare la classica analisi per una prospettiva eterodossa.
Certo, gli ingredienti tipici non mancano: ampi spazi sono dedicati alla sinossi, alla divisione in sequenze, all'ideazione, all'accoglienza da parte della critica. Ma nelle intenzioni l'autrice si candida ad andare oltre, dichiarando di voler dimenticare il film in quanto tale per preferirgli una visione allargata, centrata più sull'autore che sulla singola opera. Difatti per la Villa Caro diario è un momento-chiave nel percorso autoriale di Moretti talmente deflagrante da potersi considerare un nuovo inizio e, dunque, una rinnovata riflessione estetica e poetica. In questa maniera i tre episodi che compongono il film diventano, più che delle dichiarazioni di poetica, dei veri e propri saggi cinematografici: In vespa sulla scrittura filmica, Isole sulla messa in scena e Medici sul narratore e sul personaggio.
Da questa premessa il saggio prende il volo e punta ad analizzare il film con lo strabismo di volergli leggere addosso il passato e il futuro del suo autore, innescando un corto circuito che però rimane soltanto intenzionale, dal momento che alla resa dei fatti l'analisi non raggiunge gli obiettivi dichiarati ma si limita ad un'applicazione dei metodi normativi di chiara derivazione manualistica (come dimostra la scomposizione in sequenze e l'analisi delle singole unità minime di significato).
Se la correttezza dei presupposti teorici è innegabile e il metodo non privo di punti di forza, l'esito finale non si staglia oltre la superficie di un'analisi eccessivamente scolastica e didascalica, sebbene abbia qualche brillante intuizione. L'antologia critica, essendo composta unicamente da recensioni di quotidianisti scritte a ridosso dell'uscita in sala, si arriccia tutt'intorno alla trama, all'impressionismo e alla definizione/ridefinizione del “morettiano” a partire dalla quale, purtroppo, il saggio stesso si costituisce.

Giuseppe Fidotta

2009-10-01T00:49:00.006+02:00

LA NOUVELLE VAGUE

Autori: Michel Marie

Titolo originale: La nouvelle vague: une école artistique

Edizione originale: Nathan, Paris, 1997

Casa editrice: Lindau, Torino, 2006

Collana : Strumenti

Pagine: 199

Formato: 12 x 16,5

Prezzo: 14,50 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

I. Uno slogan giornalistico, una nuova generazione

I.1 Una campagna di «L’Express»
I.2 Le riviste di critica cinematografica
I.3 Il convegno di La Napoule
I.4 Data di nascita: febbraio-marzo 1959
I.5 Una «giovane accademia» alquanto malinconica
I.6 Il cinema francese nel 1958: inventario

II. Un concetto critico

II.1 Una scuola critica
II.2 Il manifesto di Alexandre Astruc
II.3 Il «pamphlet» di François Truffaut
II.4 Le teorie dell’adattamento
II.5 Le prime pagine della rivista «Arts»
II.6 La politica degli autori
II.7 Il modello americano
II.8 La Nouvelle Vague, una «scuola artistica

III. Un modo di produzione e di distribuzione

III.1 Un concetto economico: il film a piccolo budget, mito o realtà?
III.2 Due piccoli budget «fuori sistema»
III.3 Una buona salute economica
III.4 Un cinema sovvenzionato
III.5 La denuncia delle superproduzioni
III.6 Film autoprodotti
III.7 Tre produttori
III.8 La carriera pubblica dei film dei «vecchi» e dei «nuovi»

IV. Una pratica tecnica, un’estetica

IV.1 L’estetica della Nouvelle Vague
IV.2 L’autore-regista
IV.3 La sceneggiatura-dispositivo
IV.4 Le tecniche di adattamento, il rapporto con la scrittura
IV.5 L’uscita dagli studi e la riscoperta dei luoghi
IV.6 Le tecniche di registrazione
IV.7 Il montaggio
IV.8 Il suono sincrono

V. Temi e corpi nuovi: personaggi e attori

V.1 Galanteria e «saganismo»: da Astruc a Kast e Doniol-Valcroze
V.2 L’universo degli autori
V.3 Una nuova generazione di attori
V.4 Le figure femminili della Nouvelle Vague

VI. L’influenza internazionale, l’eredità oggi

VI.1 I movimenti precursori
VI.2 L’influenza della Nouvelle Vague all’estero
VI.3 Nouvelle Vague, avanguardia e cinema sperimentale
VI.4 Le conseguenze storiche del movimento, la Nouvelle Vague oggi
VI.5 La perennità dei film

Cronologia

Bibliografia

Indice dei film

Il lettore che per la prima volta si approccia a La Nouvelle Vague di Michel Marie non può non lasciarsi avvolgere da una perplessità: può un libercolo tanto snello affrontare esaustivamente un argomento così problematico, dibattuto e spinoso come la Nouvelle Vague francese? Senza ombra di dubbio la risposta è sì, può.
Il movimento cinematografico forse più studiato ed amato in assoluto continua ancora oggi a trascinarsi dietro un'aura di mito, di rivoluzione compiuta, di rifondazione addirittura; come se tutto ciò che è innovativo e di qualità dalla fine degli anni '50 in poi non possa che essere targato Nouvelle Vague. Lo storico Marie mette dunque da parte la monumentale scultura (auto)prodotta e (auto)celebrata che il movimento ha fatto di se stesso per ripartire dalle definizioni basilari, dalla domanda più semplice: “Cos'è la Nouvelle Vague?”. Le direzioni che di volta in volta l'autore imbocca mirano alla tesi centrale che vuole la Nouvelle Vague come una vera e propria scuola, organizzata a partire da una teoria estetica, un manifesto, un corpo dottrinale, un programma estetico, un supporto editoriale, un sistema di promozione e degli avversari. Niente agiografia, però. Ma, anzi, una moderata via di mezzo tra la sfrenata celebrazione in stile Cahiers du Cinéma e l'astio dichiarato alla Positif (o, se si preferisce, alla Aldo Tassone), che guarda con rigore tanto alle influenze quanto alle contraddizioni, tanto alla fortuna quanto alle cadute.
L'analisi attenta e ben documentata, infatti, è uno dei caratteri strutturali di questo saggio, in cui nulla appare fuori posto: schede, tabelle, dati precisi, riferimenti puntuali e rimandi bibliografici contribuiscono alla riuscita del tentativo di fotografare uno dei momenti più complessi ed influenti di tutta la storia del cinema.
Sebbene di edizione in edizione la solitamente lodevole Lindau non disdegni di gonfiare il prezzo, la bilancia tende ancora tutta verso il piatto della qualità.

Giuseppe Fidotta

2009-09-30T11:31:00.007+02:00

BREVE STORIA DEL CINEMA TEDESCO

Autori: Bernard Eisenschitz

Titolo originale: Le cinéma allemand

Edizione originale: Nathan, Paris, 1999

Casa editrice: Lindau, Torino, 2001

Collana : Strumenti

Pagine: 184

Formato: 12 x 16,5

Prezzo: 9,30 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

I. 1895-1918 Un'industria sotto l'Impero

- Gli inizi di un'industria
- Star e autori
- Guerra e cinema

II. 1919-1925 Lo Schermo Demoniaco

- Il cinema e il suo tempo
- Il Gabinetto del Dottor Caligari
- I misteri dell'anima
- Le ambiguità dello schermo demoniaco
- Carl Mayer e il kammerspiel
- F. W. Murnau
- Fritz Lang
- L'anno 1925

III. 1926-1929 Gli ultimi anni del muto

- Concentrazione, emigrazione, rinnovamento
- La Nuova Oggettività
- Impadronirsi del cinema

IV. 1929-1933 Il passaggio al sonoro e la fine della Repubblica

- Il mondo nel teatro di posa
- Il mondo in crisi
- M, il mostro di Dusseldorf
- Bertolt Brecht, Max Ophuls
- Un testamento

V. 1933-1945 Il cinema secondo Goebbels

- Mettersi al passo
- L'industria con Goebbels
- Leni Riefenstahl e le avanguardie
- Guerra e cinema (bis)

VI. 1933-1945 L'altra Germania: i cineasti in esilio

- Terre d'accoglienza?
- Hollywood

VII. 1945-1962 Il cinema di papà (RFT)

- Tra le rovine
- La Germania di Adenauer: «È colpa di Hitler»
- Il ritorno
- Il cinema dei distributori
- Il piacere della volgarità

VIII. 1945-1989 A est (RDT e zona sovietica)

- Risorta dalle rovine
- Il primo Stato tedesco operaio e contadino
- 1953-1961: dall'insurrezione al Muro
- La generazione degli anni '60
- La fine
- Il documentario

IX. 1962-1980 Il giovane cinema tedesco (RFT)

- Straub, Kluge e qualcun altro
- Il cinema di papà non è morto
- 1968 e dopo
- Il Nuovo Cinema tedesco

X. 1980-1989 Post scriptum

- Gli anni '80
- Gli anni '90

Bibliografia

Indice dei nomi

Attraversare la storia del cinema tedesco significa aggirarsi con diseguale difficoltà tra età dell'oro celebratissime (Weimar, il Giovane e il Nuovo cinema tedesco) e medioevi frequentati quasi in esclusiva da studi specialistici (il pre-Caligari, l'epoca nazista, il cinema della RDT), dunque far convivere in uno stesso luogo il trito e l'inesplorato. A tale difficoltà Bernard Eisenschitz risponde delineando uno scenario in cui si incrociano, bilanciandosi, la completezza e la sommarietà, adottando la pratica metodologica del sorvolare tutto senza fermarsi mai.
Illuminato da uno stile asciutto ed essenziale e sorretto dai contributi di Kracauer, Eisner, Brecht e Daney, il saggio si propone sin da subito come un'introduzione sufficientemente esaustiva, non perdendo mai occasione per guardare con occhio critico ai legami tra storia e politica. La Germania ritratta è una nazione che rinegozia la propria identità: ambiguità e fratture riportate anche nella struttura del volume nella scelta di trattare due o più tipologie di cinema nazionale in contrasto dialettico (avanguardia/commerciale, nazisti/esiliati, cinema-di-papà/nuovo-cinema, RDT/RFT), sempre allo scopo di restituire un quadro, o come le dimensioni richiedono: una miniatura, completa e precisa.
L'edizione francese, a cui la Cinématheque parigina ha assegnato il rinomato Prix Philippe Arnaud, presenta un aggiornamento al 1999 – che Lindau riporta – nel quale l'autore condensa due decenni estremamente problematici per il cinema tedesco, i disastrosi anni '80 e '90, in un distillato superficiale ed irrisolto. Più felice, invece, la bibliografia, essenziale e versatile, che racchiude i cardini del discorso attorno al cinema tedesco, inglobando anche testi non propriamente cinematografici, ma comunque fondamentali (tra cui i filosofi di Francoforte e la storiografia più essenziale attorno al Novecento tedesco.

Giuseppe Fidotta

2009-09-29T18:47:00.006+02:00

JACQUES RIVETTE

Autori: Goffredo De Pascale

Casa editrice: Il Castoro, Milano, 2003

Collana : Il Castoro Cinema

Pagine: 155

Formato: 15x16,5

Prezzo: 10,90 €

Lingua: Italiano

Indice:

Rivette par Rivette

Jacques Rivette, le metteur en scène

- A Parigi "pour faire du cinéma"
- Saint Just, l'eminenza grigia
- L'assalto al cinema
- In nome della modernità
- Blanchot, Bataille, Paulhan e gli altri
- Al di là del realismo
- Mise en scène e mise en abime
- Un nuovo modello produttivo
- In quattro per quattro giovedì
- Scacco matto, è arrivata la Nouvelle Vague
- La politica di un autore
- La scure della censura
- I progetti fantasma
- La composizione in profondità
- L'arte dell'invenzione
- I figli del sole e della luna
- In viaggio con Rivette
- I gruppi di un solitario
- Le donne
- L'innocenza

I film

- Le coup du berger (1956)
- Paris nous appartient (1960)
- Susanna Simonin, la religiosa (1966)
- L'amour fou (1968)
- Out 1: noli me tangere (1970)
- Céline et Julie vont en bateau (1974)
- Duelle (1976)
- Noroît (1976)
- Merry-Go-Round (1978)
- Le pont du Nord (1981)
- L'amore in pezzi (1983)
- Hurlevent (1985)
- Una recita a quattro (1988)
- La bella scontrosa (1991)
- Giovanna D'Arco (1994)
- Alto basso fragile (1995)
- Une aventure de Ninon (1995)
- Secret défense (1997)
- Chi lo sa? (2001)
- La storia di Marie e Julien (2003)

Filmografia

Nota bibliografica

Non è un azzardo dire che Jacques Rivette è il meno studiato dei maestri della Nouvelle Vague, il più invisibile e sperimentale dei giovani turchi. La monografia di De Pascale arriva a disturbare un oblio bibliografico rotto, in Italia, in due sole altre occasioni: nel 1974, con il catalogo della retrospettiva tributatagli in quell'anno dalla Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro, e nel 1991, con la pubblicazione del volume collettivo Jacques Rivette. La règle du jeu per i tipi del Museo del Cinema di Torino. Al di fuori di queste edizioni, certo ben poca cosa per uno dei padri del cinema moderno, la filmografia rivettiana non è mai stata analizzata nella sua complessità e originalità, preferendone trattare la produzione critica ai tempi dei Cahiers du Cinéma, come nel caso degli articoli, spesso antologizzati, sul concetto di mise en scène e la celeberrima stroncatura di Kapo' di Pontecorvo. Assolutamente necessario quindi questo tardivo Castoro, che, ricorrendo all'abituale struttura della collana, esordisce con una breve intervista d'apertura (datata 2002), forse troppo sintetica considerate le grandi doti affabulatorie del raffinato interlocutore. A seguire, un'approfondita introduzione critica, tipica dei Castorini, rivela la poetica del più pynchoniano dei cineasti contemporanei, a lungo snobbato da pubblico e distribuzione per via dei suoi film fluviali (si va dalla media di 150 minuti per lungometraggio alle sei ore di Giovanna d'Arco e alle dodici del film-monstre Out 1: Noli Me Tangere). De Pascale passa in rassegna molti dei leitmotifs rivettiani (il coinvolgimento degli attori nella scrittura, l'uso del pianosequenza, la politique altamente morale del suo sguardo) e dei risvolti biografici meno noti, come le vicissitudini censorie di Susanna Simonin, la religiosa e l'intenso confronto con le avanguardie teatrali e musicali degli anni '70. Infine, a coronamento del volume, il consueto apparato filmografico con sinossi dettagliate e analisi molto accurate sul piano della diegesi, ma meno coraggiose a livello interpretativo. Molto utile l'inclusione nella bibliografia conclusiva, doviziosa come da tradizione Castoro, della cronologia completa di tutti gli scritti e interventi dello stesso Rivette apparsi su Gazette du cinéma, Cahiers du Cinema e L'Avant-scène du Cinéma.

Dario Stefanoni

2009-09-25T09:47:00.004+02:00

PLAYTIME

Autori: Giorgio Cremonini

Casa editrice: Lindau, Torino, 2000

Collana : Saggi

Pagine: 216

Formato: 14x22

Prezzo: 12,91 €

Lingua: Italiano

Indice:

Premessa

I. La forma comica del pensiero: una introduzione
- Pensare comicamente il mondo
- Aporia e spaesamento
- Caricatura e dintorni
- L'impossibilità di essere i modelli
- Il doppio e lo scambio
- La parola impazzita
- La particolare narratività del comico
- I bambini ci guardano
- Le molte facce del comico
- Il comico, la storia e la cultura
- Il comico è un pensiero laico

II. Comici, film, mondi
- Mondo “slapstick”: Mack Sennet & Co.
- Cronotipi in evoluzione
- La doppia maturazione di Chaplin
- Buster e le macchine
- La fuga nel sogno: da Harry Langdon a Danny Kaye
- Harold Lloyd e la conquista della felicità
- W.C. Fields o la gradazione alcolica dell'ottimismo
- Due: una folla – ovvero Laurel & Hardy e altre coppie
- La trinità laica dei fratelli Marx
- Jacques Tati, o la “plongée” nostalgica
- Viaggio a Cartoonia: Tex Avery
- «Behind the Screen»
- I “cinema days” di Woody Allen
- Diario di un italiano: Nanni Moretti
- Roberto Benigni e la sessualità infantile
- La difficile età dell'oro: Massimo Troisi
- Totò il cattivo
- A proposito di cattiveria: lo specchio di Mr. Bean
- Breve incontro: Sellers & Kubrick
- La nuova fine di mondo: Dante, Levinson, Burton

III. Ridere e sorridere, commedia e dispersioni
- La commedia è femmina
- “Esprit de finesse”: René Clair
- Maschere e celluloide: Billy Wilder
- Angeli e demoni (parentesi su Lubitsch)
- Rifare Wilder e Capra: Blake Edwards e Stephen Frears
- La commedia all'italiana
- Dopo tutte le rivoluzioni: il nuovo “humour” inglese
- Ateo, grazie a Dio: Luis Bunuel
- Emigranti: Roman Polanski e Otar Ioseliani
- Alain Resnais: la vita delle meduse

IV. Postilla: il comico involontario, ovvero il mondo

Nota autobibliografica

Il cinema comico, passo dopo passo, uno sdoganamento dopo l'altro, è uscito negli ultimi tre decenni dal guscio in cui una pratica critica intellettualistica e aristocratica l'aveva rinchiuso. Oggi, dunque, un discorso rigoroso sul cinema comico non teme affatto di sporcarsi le mani con le torte in faccia e i travestimenti più beceri. Da questa legittimità parte un uomo di scienza prestato al cinema come Giorgio Cremonini, docente di biologia all'Università di Bologna, nella sua esplorazione del genere che non manca di coinvolgere ed affascinare.
La divisione interna al testo è netta: se nella prima parte si introduce il comico nei suoi elementi teorici, nella seconda si esplorano autori e momenti della storia del comico e nella terza, dopo un leggero cambiamento di angolazione, si replica con la commedia. La quarta parte, un'insipida invettiva moralista sull'intrinseca ridicolezza del mondo, non può che considerarsi un'occasione mancata.
Senza dubbio è al momento teorico che bisogna riservare maggiore attenzione, tant'è denso di riflessioni organiche che hanno il merito di ricollocare gli assi portanti della teoria del comico. Con metodo scientifico, Cremonini seziona gli elementi del genere (l'incongruità, lo spaesamento, la deformazione, il doppio, la maschera, ecc.) e li passa sotto analisi, cogliendone il valore strutturale in una trasversalità di riferimenti che va da Bachtin a Lyotard, da Cavell a Berger (il cui Homo ridens mostra più di un'influenza). La lettura di questa parte, nonostante lo stile dinamico e la moltitudine di riferimenti filmici, potrebbe procedere con difficoltà, ma il valore del testo merita tutti gli sforzi.
Il capitolo sul comico non manca dell'acutezza critica e del rigore che dominano su tutto il testo. Altrettanto bene la deviazione sulla commedia, seppure soffra (ma in misura non molto rilevante) di una scelta molto arbitraria degli autori e di un'impostazione teorica più superficiale.
La vera macchia, quasi un crimine, che compromette il livello complessivo dell'opera è la totale assenza di un apparato bibliografico, tanto più grave quanto spesso le note risultano lacunose e frammentari. Ma nel complesso, perdonato un certo snobismo (peraltro condivisibile) che di tanto in tanto traspare, Playtime è una lettura importante, di ampio respiro, tutta concentrata nella sfida di spingere in avanti il discorso attorno al comico. Sfida, bisogna riconoscerlo, vinta.

Giuseppe Fidotta

2009-09-23T18:59:00.003+02:00

QUENTIN TARANTINO - ASFALTO NERO E ACCIAIO ROSSO SANGUE

Autori: Simona Brancati

Casa editrice: Le Mani, Genova, 2008

Collana : Extralights

Pagine: 190

Formato: 11,5x13,5

Prezzo: 12 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione di Renato Venturelli

Il caso - Vita in pellicola

Sopralluogo nei dintorni del "post-moderno"

Metamorfosi di un omicidio

L'interrogatorio: realtà o 35 mm?

- L'alibi

- I complici del "pasticcio"

L'arma: la scrittura

- Lancette impazzite

- Architetture senza luoghi

- 7 note per uccidere

- Re Leone

I reperti

- Donne da osteria e amori al sangue

- Cavalieri pallidi

- Bagni "sporchi"

- Macinati iperreali

Filmografia

Bibliografia

Mi chiedo spesso: chiamato a scrivere su Quentin Tarantino, come mi comporterei? Priviligerei le prime pellicole, dalle quali il suo genio scaturisce prepotentemente, o mi getterei a punzecchiarlo per i nuovi lavori dove traspare il mago del marketing che è in lui e la sua genialità vira verso gli scomodi lidi della gigioneria? Questa domanda in realtà ne cela una molto più profonda, nascosta tra le pieghe del cinema di Tarantino e che si potrebbe riassumere nel dubbio di affrontare il regista con un'occhio da fan o con un atteggiamente prettamente critico. Ognuno di questi due approcci sarebbe limitativo nei confronti dell'altro aspetto del lavoro del regista pulp per eccellenza, che da sempre si destreggia tra i due mondi sopra delineati. Pare che anche Simona Brancati si sia fatta più o meno la stessa domanda prima e durante la stesura di questo testo. Dovessi riassumere il mio giudizio con una sola parola, definirei il libro in questione misurato. Nel senso che comincia parlando del "fenomeno Tarantino" analizzandolo ora con approccio socio-culturale, ora cantandone sperticamente le lodi, costruisce poi le schede di ogni singolo film non dimenticandosi di aneddoti divertenti, numeri e cifre curiose e rilevanti, ma infarcendo il tutto con una buona e puntuale dose di analisi filmica, dove le sequenze più celebri del cinema del Nostro sono smontate e contestualizzate. A chiudere il volume, una serie di brevi saggi che attraversano la filmografia di Tarantino trasversalmente. A ciò si aggiunga: una spruzzata di ironia in qua e in là (vedi titoli dei capitoli e sottocapitoli) e la lunghezza giusta per un libro del genere (finisce quando deve finire, non ammorba, non dimentica quasi niente nella sua intenzione di essere solo un tassello in un'analisi che deve per forza essere più ampia). Formato pocket, comodo e grazioso, e foto di altissima qualità che dividono in due il libro, fanno il resto.

Michelangelo Pasini

2009-09-18T11:17:00.007+02:00

FANTOZZI UNA MASCHERA ITALIANA

Autori: Fabrizio Buratto

Casa editrice: Lindau, Torino, 2003

Collana: Il Pesce Volante

Pagine: 188

Formato: 14x20,5

Prezzo: 16,50 €

Lingua: Italiano

Indice:

Egregio Signor Villaggio

Premessa

Prima di Fantozzi

Dalla cellulosa alla celluloide

L'impiegato Villaggio

L'impiegato Fantozzi

Fantozzi "contro"

"Come è umano, lei..."

Fantozzi, essere umano o cartone animato?

Ufficio, casa e Filini

Dal "politico" al "sociale"

L'ultimo Fantozzi, più "buono" ma più pessimista

La lunga saga fantozziana

Fantozzi, maschera tragicomica

Interviste
- Paolo Villaggio
- Milena Vukotic
- Anna Mazzamauro

I film
- Fantozzi
- Il secondo tragico Fantozzi
- Fantozzi contro tutti
- Fantozzi subisce ancora
- Superfantozzi
- Fantozzi va in pensione
- Fantozzi alla riscossa
- Fantozzi in paradiso
- Fantozz i- Il ritorno
- Fantozzi 2000 - La clonazione

Apparati
- Bibliografia
- Indice dei film
- Indice dei nomi

A lungo oggetto di snobismo culturale, la saga di Fantozzi ha dovuto aspettare molto prima di essere considerata parte della tradizione della commedia all'italiana. Un ostracismo critico messo finalmente a tacere da questo libro, che sviluppa una tesi di laurea vincitrice del premio internazionale Filippo Sacchi, conferito dal S.N.G.C.I (Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani) per la miglior tesi ad argomento cinematografico. Il pregio immediatamente percepibile del volume è la trasversalità nell'accogliere i molti spunti offerti dalla serie del celeberrimo impiegato, siano essi letterari, politici o sociologici. Se in primo luogo una marcata attenzione va ai precedenti letterari di Fantozzi, come il Bartleby melvilliano o i diversi personaggi creati dalle penne di Cechov, Gogol e Bulkagov, e in Dalla cellulosa alla celluloide si analizza nel dettaglio il particolare adattamento dei libri di Villaggio (definito da Evtusenko “il Gogol italiano”), Buratto passa in seguito alla disamina delle caratteristiche più strettamente cinematografiche del mito fantozziano, come il confronto con gli epigoni (il capitolo Varianti di Fantozzi) o lo studio sulla cartoonizzazione progressiva del personaggio e delle sue gag (che con i sequel di Neri Parenti si faranno sempre più meccaniche a discapito dell'intelligenza drammaturgica e dell'acume politico). In misura minore vengono problematizzate anche le tematiche sociali e politiche della serie, presenti soprattutto nei primi due capitoli di Salce, con il difetto, però, di limitare la riflessione ai riferimenti culturali più evidenti e risaputi (come i viluppi burocratici dei mondi distopici prospettati da Kafka e Orwell).
Alla parte saggistica del libro, che si compone di capitoli sintetici e di piacevole lettura, seguono le interviste, non molto esaurienti, ai tre interpreti principali della serie (con l'eccezione di Gigi Reder, scomparso nel 1998); infine, un'utile filmografia dettagliata e approfondita, con una sinossi di quattro-cinque pagine per film. Primo testo a esaminare criticamente la serie di Fantozzi, il libro di Buratto offre una panoramica generale sui principali temi della saga, passando in rassegna molti aspetti ma senza andare molto in profondità nella loro analisi, compito che spetterà agli ulteriori studi che, ce lo auspichiamo, verranno ad approfondire un argomento ancora troppo trascurato in sede critica.

Dario Stefanoni

2009-09-18T10:08:00.006+02:00

LUIGI COMENCINI - AL CINEMA CON CUORE 1938 - 1974

Autori: Adriano Aprà (a cura di)

Casa editrice: Il Castoro, Milano, 2007

Collana: Quaderni Fondazione Cineteca Italiana

Pagine: 265

Formato: 17x24

Prezzo: 22€

Lingua: Italiano

Indice:

Parte prima

- Comencini critico cinematografico

Come introduzione

- Domande ai critici

- I miei film "rubati"

Il cinema

- Il cinema è un'arte da scoprire

- Il monopolio dell'arte e del commercio

- La malattia del cinema italiano

- Intellettuali del cinema

- Cinecittà

- La nascita del cinema

- Il sonoro compie dieci anni

- Cinema a colori

- Clara Calamai

- Cinema e socialismo

- Il cinema a congresso

- Un po d'ordine al cinema

- Opportunismo e confusione

- Il cinema ha 50 anni

- Adesso o mai più

- Cinema e letteratura

- Pabst e l'arte del film

- Problemi di proiezione

- Arrischiare per vincere

- Il cinema, un'occhio aperto sulla vita

- Cattivo pubblico per il cinema

- I film americani si fanno così

- De Sica in riformatorio

- Qui nascono le immagini

- Che cosa vuole il pubblico

- Il museo del cinema

- Celluloide

- Per la Cineteca Italiana

- Lo spettatore vuoe film che abbiano una trama e personaggi

- Crisi e neorealismo

- 2056

I film - 50 anni di cinema

- Cretinetti

- Murnau: dieci anni di cinema

- Maciste

- Ugo Ceseri

- Due donne strabilianti

- Alberto Capozzi

- Due registi svedesi

- Saturnino farandola

- Tabù

- La febbre dell'oro

- Scoperta di un regista: Jean Vigo

- Perchè 50 anni di cinema

- Les enfants du paradis

- La tragedia della miniera

- La règle du jeu

- Zéro de conduite, La chienne

- La corazzata Potemkin, La fine di San Pietroburgo

- Bilancio di "50 anni di cinema"

- Il cinema si è fermato

- La madre al "circolo del cinema"

- Vigo al "circolo del cinema"

- Il circo di Alexandrof

- Dies Irae

Prime visioni

- Una romantica avventura

- Uomini sul fondo

- L'assedio dell'Alcazar

- Ombre rosse

- De Sica regista

- La corona di ferro

- Il compagno P.

- Ancora sul Compagno P. (1)

- Ancora sul Compagno P. (2)

- Il dittatore

- Roma città aperta (1)

- Roma città aperta (2)

- Due lettere anonime (1)

- Due lettere anonime (2)

- Due proiezioni

- Com'era verde la mia valle

- Un giorno nella vita

- Censura contro Fritz Lang

- I film sull'arte di Luciano Emmer

- I bersaglieri della signora

- Sette contro uno

- L'uomo del sud

- Paisà

- I misteri di Shangai

Parte seconda

- Il mio cinema, i miei film

Come introduzione

- In guisa di autoritratto

Il mio cinema

- Contributi a una dichiarazione

- Reazionario suo malgrado

- I miei anni cinquanta

- L'idea della morte

- La mia "resistenza"

- Io e la commedia

- Saluto a Gallea

- Il cinema di De Sica: uno specchio tenero e impietoso

- De Sica capiva i bambini

I miei film

- L'imperatore di Capri - Comencini e il film comico

- Pane amore e fantasia, Pane amore e gelosia - Semplicità di Pane amore e gelosia - Caro De Sica

- Mogli pericolose - Più sono pericolose più sono comiche

- Tutti a casa - Quattro poveracci proprio come noi

- A cavallo della tigre - Intervista a Luigi Comencini - A cavallo della tigre è anche una parabola

- La ragazza di Bube - La nascita di una coscienza - La ragazza di Bube: Carlo Cassola - Luigi Comencini

- Incompreso - Intervista a Luigi Comencini - Dibattito su Incompreso con Luigi Comencini e Francoise Dolto

- Infanzia, vocazione e prime esperienze di Giacomo Casanova Veneziano - La vita quotidiana di un giovane veneziano chiamato Casanova

- Lo scopone scientifico - Intervista a Luigi Comencini

- Le avventure di Pinocchio - Per il Pinocchio tv ho guardato nel fondo di me stesso - Tre anni di lavoro - Pinocchio reinventato

- Delitto d'amore - Una favola operaia - Intervista a Luigi Comencini

- Mio Dio, come sono caduta in basso" - Perchè Mio Dio, come sono caduta in basso"

Primo dei due libri che la Cineteca Italiana dedica a Luigi Comencini, un po' strumenti di approfondimento e studio della sua figura, un po' tributo postumo ad un regista bistrattato dalla critica nostrana.
In questo volume viene dato ampio spazio al Comencini critico cinematografico, mestiere che il Nostro ha svolto per anni, ma per il quale è sempre rimasto in ombra. Per chi è digiuno di storia della critica cinematografica italiana questa prima sezione evidenzia il gap che separa i critici che furono da quelli che leggiamo oggi: tra gli articoli di Comencini, così come in quelli di molti suoi colleghi, si può trovare un fil rouge che fa dell'autore un cosidetto "critico militante"; esprimersi sulla riuscita o meno di un film significava sostenere una certa idea di cinema, portare avanti una battaglia alla quale ogni "pezzo" aggiungeva un tassello. Così tra i diversi scritti di Comencini è facile individuare le sue tre battaglie principali: la difesa del cinema come arte, quella di un cinema libero da condizionamenti e quella per la preservazione del "vecchio" cinema. Non deve essere stato facile per Adriano Aprà, curatore del libro, districarsi tra la mole di materiale che aveva a disposizione (Comencini ha scritto per molti quotidiani e riviste per tanti anni) e soprattutto deve essere stato difficile scegliere articoli che fossero allo stesso tempo rappresentativi, interessanti se letti a 50 anni di distanza e capaci di formare un unico corpus, un'unica grande opera.
Nella seconda parte del volume Aprà studia le prime pellicole di Comencini attraverso gli scritti stessi del regista, i suoi commenti, i pensieri a caldo, attraverso alcune interviste e appunti e scritture private ripescate dall'Archivio Comencini.
Come approfondire lo studio su un uomo di cinema in maniera inconsueta, assolutamente non pedante e utilizzando tutte le fonti a propria disposizione

Michelangelo Pasini

2009-09-18T09:33:00.002+02:00

Excelsior 1881 - Sito Internet

Nato col botto - Steve Martin

2009-09-18T09:24:00.006+02:00

NATO COL BOTTO

Autori: Steve Martin

Casa editrice: Excelsior 1881, Milano, 2009

Collana: Ars Vivendi

Pagine: 206

Formato: 13x19,5

Prezzo: 18,50 €

Lingua: Italiano

Indice:

Per cominciare

Coffe and Confusione

I comici alla radio

Disneyland

Il Bird Cage

La televisione

Sulla strada

Verso il successo

Si spengono le luci

Il rapporto empatico con un libro è spesso una questione di gusto. Ma molto frequentemente prima del gusto, della soggettività di giudizio, entra in gioco un fattore che ha un aspetto decisamente più oggettivo, vale a dire il retaggio socio-culturale del lettore. Questa autobiografia di Steve Martin (che lui preferisce definire “la biografia di qualcuno che conosco molto bene”) rischia seriamente di essere l'esempio lampante di come per gustare completamente un libro sia necessario entrare in relazione con esso, ma anche di come spesso per farlo siano necessarie conoscenze pregresse ed un immersione totale nell'universo descritto dall'autore. Per questo è legittimo pensare che Nato col botto possa risultare un'opera alquanto tiepida per un pubblico italiano che conosce Steve Martin, protagonista e autore delle vicende narrate, solamente per pellicole come “Il padre della sposa” o “La pantera rosa” ed il suo seguito, ignorandone magari gli esordi cinematografici de “Lo straccione”. Ma anche il cinefilo più attento potrà trovarsi in difficoltà nel comprendere il mondo in cui gran parte dei comici statunitensi più apprezzati oggi, sono stati costretti a muoversi durante i primi venti, spesso trent'anni di gavetta. Stiamo parlando del mondo della comicità televisiva del “Saturday Night Live”, di tutti i programmi che ne hanno preceduto e seguito il successo, e soprattutto di tutte le migliaia di spettacoli di “stand-up” che popolano gli oscuri, ora squallidi ora più chic, localini americani, da New York a San Francisco.
Il modo di Steve Martin di raccontare ogni singolo episodio, ogni particolare, ogni battuta, dà per scontata una profonda conoscenza del milieu comico dei locali notturni statunitensi. E' questa precondizione a permettere allo scrittore di lasciarsi andare in puntigliose e piuttosto lunghe descrizioni di ogni singolo aspetto dei suoi “numeri comici di gioventù”, citando per filo e per segno battute, gag, filastrocche e canzoni che hanno contribuito, anno dopo anno, spettacolo dopo spettacolo, a renderlo famoso in tutta la nazione. Per il lettore italiano, che molto probabilmente questo universo non l'ha mai conosciuto, è difficile calarsi nel buio fumoso dei localetti sopra descritti, e proprio per questo le lunghe gag riportate in Nato col botto possono risultare un'autocelebrazione fine a sé stessa. Per un pubblico più vicino alla giungla dello “stand-up” invece l'autobiografia di Steve Martin è l'ennesima variazione sul tema dell'american dream narrata con stile particolarmente brioso e divertente. Come vuole tradizione, Steve Martin principia il suo volume descrivendo i suoi primissimi spettacoli e lo finisce proprio all’alba del successo, infarcendo il tutto con sporadici flashback e flashforward a raccontarne il prima e il dopo; in alcuni passi più personali Nato col botto si tinge di un realismo tale (vedi rapporto con il padre) da sfiorare un sincero quanto amaro cinismo.

Michelangelo Pasini

2009-09-10T10:44:00.005+02:00

CHITARRE E LUCCHETTI - IL CINEMA ADOLESCENTE DA MORANDI A MOCCIA

Autori: Davide Boero

Casa editrice: Le Mani - Microart's, Genova, 2009

Collana: -

Pagine: 133

Formato: 14x21

Prezzo: 14 €

Lingua: Italiano

Indice:

Introduzione

Adolescenti negli anni Settanta

In attesa dell'esame

Non si scherza con l'amore

Intervallo

Disimpegno o partecipazione

Fuggire dall'insoddisfazione

Dopo gli esami... un viaggio

La fine dei giovani

Filmografia

Bibliografia

Indice dei nomi

Il merito di aver pubblicato per la prima volta un saggio sul fenomeno del cinema giovanilistico (o adolescenziale) italiano va equamente diviso tra Davide Boero e l'ormai rodata ditta Pulici-Gomarasca di Nocturno Cinema. Il primo per aver scritto il Chitarre e lucchetti in oggetto, i secondi per aver dedicato, quasi un anno prima, un dossier monografico dedicato al genere che ha obbligato i critici a rivedere la nozione (parlando di box office) di crisi della settima arte in italia.
Il compito di Boero non e' solo oltremodo arduo perche' sostenuto da una bibliografia precedente praticamente pari a zero, ma anche in quanto il filone cinematigrafico in questione, bistrattato fin dall'inizio dalla critica, poco si presta ad un analisi prettamente teorica. Il giovane autore, forse proprio per mettere le mani avanti nei confronti dei colleghi, dichiara immediatamente di non scrivere con intento celebrativo nei confronti del genere oggetto di studio. Il suo interesse e' piuttosto quello di trovare la chiave di lettura che possa accomunare una sequela di pellicole che fanno seguito al successo di Tre metri sopra al cielo prima e di Notte prima degli esami poi. Senza chiaramente la presunzione di individuare una cifra stilistica comune, ma con l'obiettivo di studiare i giovani attraverso i film che li descrivono, che amano e nei quali, causa e non effetto, si identificano. Una sorta di percorso a ritroso che parte dai film per arrivare all'oggetto dipinto in essi e quindi, per forza di cose visto il successo mediatico di certe pellicole, al loro reale universo. Le citazioni ed i parallelismi suggeriti da Davide Boero (da Bunuel a Truffaut) suggeriscono la natura, precisa e approfondita, dello studio operato, nonostante il registro si mantenga per tutto il libro dalle parti della trasparenza ed intelleggibilita' totale. Inevitabile ma forse troppo breve il capitolo iniziale dedicato agli antenati di Vaporidis e Moccia; un po' confusionaria la struttura del libro che fino all'ultimo non chiarisce la volonta' di procedere a schede di approfondimento di ogni film o quella di individuare temi e sottogeneri all'interno del filone giovanilistico. Chitarre e lucchetti non e' l'opera definitiva sul cinema giovanilistico italiano (ce ne sara' mai il bisogno?), ma resta un ottimo primo approccio ad una cinematografia ancora in completo divenire. Peccato per il prezzo, forse un po' troppo alto per le 133 pagine totali.

Michelangelo Pasini

2009-09-01T10:17:00.005+02:00

L'OCCHIO DEL NOVECENTO - CINEMA, ESPERIENZA, MODERNITA'

Autori: Francesco Casetti

Casa editrice: Bompiani, Milano, 2005

Collana: Studi

Pagine: 323

Formato: 14x22

Prezzo: 21 €

Lingua: Italiano

Indice:

Cent'anni, un secolo

1. Lo sguardo di un'epoca
- Vedere
- Corrispondenze
- De l'art et du trafic
- Se Oreste diventa Rio Jim
- Laideur et bauté
- Cinema, Novecento

2. Inquadrare il mondo
- Di più, di meno
- L'aquila, la mosca, l'imperatore
- Che fine ha fatto l'uomo nero?
- Ad occhi chiusi
- Nostalgia di una cosa

3. La doppia visione
- La proprietà dello sguardo
- Che ne sai tu di lui?
- Un volto, gli occhi
- La legge, il fucile e la memoria
- Constatare, ricostruire, inventare
- Esercizi di riconoscimento
- La posta in gioco dell'occhio

4. L'occhio di vetro
- Il meccanismo della vita
- La scimmia con la macchina da presa
- Diario di M. K., operatore
- King Kong a Broadway
- La resistenza della luce
- La belva e la marionetta

5. Sensazioni forti
- L'intensificazione della vita nervosa
- Correre contro il tempo
- Il sesso di Marfa
- Ragioni e sensazioni
- Costruire emozioni

6. Il posto dell'osservatore
- Dentro il cuore delle cose
- La lezione di Josh
- John Sims in platea
- Thomas che guarda
- La posizione perduta

7. Glosse, ossimori e disciplina
- Il circuito dei discorsi sociali
- La messa in forma negoziata
- La disciplina dell'occhio
- Un decalogo

Quel che resta del giorno

Bibliografia essenziale

Indice dei nomi, dei film e dei termini

Francesco Casetti, classe 1947, è un nome che agli iniziati suona come quello di Umberto Eco, Carlo Ginzburg o Norberto Bobbio. Onnipresente negli scaffali degli studenti e nelle discussioni più importanti, esordisce nella riflessione semiologica sotto l'ala di Christian Metz. Con L'occhio del Novecento Casetti firma il proprio capolavoro, l'opera che lo consacra in serie A. Una riflessione a tutto tondo sul ruolo del cinema nel Novecento: medium, costruttore di riti e miti, spazio di negoziazione delle diverse istanze della modernità. In un itinerario che attraversa il secolo trascorso – il secolo del cinema, appunto – le istanze contrapposte della modernità (frammentazione/unità, soggettivo/oggettivo, ebbrezza/ordine, immersione/distacco) vengono ricucite dal lavoro di negoziazione e di creazione di senso del cinema. La conclusione, assai drammatica, pone il vecchio occhio del Novecento all'interno di uno scenario post-novecentesco in cui esso arranca per stare dietro alle sfide che fatica ad affrontare, essendo ormai privo di tutte le capacità negoziali di cui era in possesso.
L'analisi di Casetti è puntuale, ben argomentata e gode di un vastissimo repertorio a cui rifarsi: tanto le sequenze filmiche quanto gli estratti teorici vengono utilizzati con dovizia per penetrare orizzonti di indagine ben verificati. Ricche e preziose le note a fine capitolo, altrettanto la bibliografia.
Il metodo è encomiabile, innovativo nell'uso spregiudicato che fa del discorso cinematografico tout court.
Inoltre, le illustrazioni, poche ed essenziali, supportano l'analisi delle sequenze, venendo ulteriormente in soccorso al lettore meno competente.
La lettura, seppur non proprio avvincente, è doverosa per tutti coloro che non si spaventano di fronte alla teoria cinematografica (che, detto per inciso, con questo volume si eleva ancora un po' di più).

Giuseppe Fidotta

2009-08-31T20:57:00.003+02:00

ITALIA ODIA - IL CINEMA POLIZIESCO ITALIANO

Autori: Roberto Curti

Casa editrice: Lindau, Torino, 2006

Collana: Le Comete

Pagine: 431

Formato: 14x21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Ringraziamenti

Introduzione

Avvertenza

- Italia nera. Il poliziesco italiano da Mussolini a "Un maledetto imbroglio"

- Storie di banditi

- Al di sopra di ogni sospetto: poliziesco e impegno civile

- Grazie (poli)zia: il poliziottesco, 1972-198

- Italia odia. Le mille facce del poliziottesco

- Dalla parte sbagliata. Il "nero" anni '70

- Tutti figli di Mammasantissima

- Anatomia di un filone

- Quello che non c'è. Il poliziesco al cinema e in tv, 1980-2005

Bibliografia

Indice dei film

Indice dei nomi

Maledetti pregiudizi. Dal primo momento in cui ho appreso che Roberto Curti avrebbe realizzato per Lindau un libro dedicato al poliziesco italiano anni '70 ho iniziato a pensare all'ennesima minestra riscaldata. Mi chiedevo che bisogno ci fosse di andare ulteriormente ad approfondire un genere così ampiamente sviscerato. Ora, con il libro in mano, mi trovo invece a far due calcoli e a dover ammettere che, nonostante di polizieschi se ne parli ovunque, i libri, quelli validi, quelli veri, dedicati all'argomento si contano davvero sulla punta delle dita. Forse sono anche meno. E' quindi evidente che questo volume di Curti non sia assolutamente una ridondanza di letteratura sull'argomento. Ad avvallare questa tesi è anche l'impostazione del libro, antitetica rispetto a quanto si era letto fino ad oggi in Italia. L'autore abbandona infatti la struttura a recensioni che accomunava libri come Città Violente prima e Cinici, infami e violenti poi, per dedicarsi ad un vero e proprio studio storico del cinema poliziesco italiano. Dalle pellicole prodotte durante il ventennio fascista, ai nuovissimi film per la tv che impazzano i palinsesti odierni. Una disamina storico-sociologica che verrebbe da definire acritica, se con questa parola si vuole intendere una visione il più possibile distaccata (e quindi lontano dal fanatismo che accompagna certi recensori di cinema di genere), e con un'attenzione impressionante alle fonti. Un lunghissimo saggio pronto a smentire gran parte degli stereotipi su cui la fama del poliziesco italiano aveva costruito parte della propria fortuna tra gli appassionati ("Fra il poliziesco e la crtitica è disamore a prima vista? Non esattamente").
Nel piglio di Curti si possono notare di tanto in tanto assonanze, assolutamente positive, con il Brunetta delle storie del cinema italiano. E un volume con uno studio di questo calibro vale più di mille crociate combattute a suon di "non esiste cinema di serie A e cinema di serie B".
Si astengano dalla lettura coloro che pensano che l'anima del poliziesco italiano sia da ricercarsi nelle pernacchie e parolacce sparate a raffica da Milian nei panni del Monnezza.

Michelangelo Pasini

2009-08-27T13:53:00.002+02:00

Aliberti Editore - Sito Internet

In viaggio con Alberto - Parole, storie e ricette della buzzicona che incantò il grande Sordi - Anna Longhi

2009-08-27T13:30:00.015+02:00

Marsilio Editori - Sito Internet

Clint Eastwood - Giulia Carluccio (a cura di)

Film della memoria - Mondi perduti, raccontati e sognati - Roberto Campari

Kim Arcalli - Montare il cinema - Enrico Ghezzi, Marco Giusti (a cura di)

Note sul cinematografo - Robert Bresson

2009-08-27T13:22:00.005+02:00

Editori Laterza - Sito Internet

Il cinema europeo - Maria Pia Comand, Roy Menarini

2009-08-27T13:19:00.003+02:00

IN VIAGGIO CON ALBERTO - PAROLE, STORIE E RICETTE DELLA BUZZICONA CHE INCANTO' IL GRANDE SORDI

Autori: Anna Longhi

Casa editrice: Aliberti Editore, Reggio Emilia, 2009

Collana: Clio

Pagine: 156

Formato: 14,5x21

Prezzo: 15 €

Lingua: Italiano

Indice:

Io so' io

Nannarè, in questo film tu sei mia moglie

La felicità è una piccola cosa

Dolce Vita

Albertone

Il Tassinaro

Un tassinaro a New York

Me manca tanto, signò

Tanto prima o poi ce ne annamo tutti

C'è ancora tanta vita

Appendice - Spaghetto tu m'hai provocato e io me te magno. Le ricette di Anna Longhi

- A me il microonde me dà fastidio

- Tagliolini all'ovo

- Ravioli alla ricotta

- Gnocchi

- Rigatoni de Roma

- Riso e patate

- Coda alla vaccinara

- Frittata di patate

- Polpette

- Fagioli in umido con le cotiche

- Trippa

- Animelle

- Cuore trifolato

- Melanzane

- Carciofi alla giudia

- Cipolle al forno

- Puntarelle

- Broccoli soffocati nel vino

- Ciambellone

Filmografia

- Film

- Cortometraggi

- Serie televisive

- Premi e riconoscimenti

Ringraziamenti

Biografia, autobiografia, appunti, pensieri al vento o cos'altro? Ci prova il sottotitolo, mai così esplicativo, a far capire al lettore cosa si trova fra le mani: “Parole, storie e ricette della buzzicona che incantò il grande Sordi”. Perché un bel giorno, quarant’anni suonati, un passato fatto di instancabile lavoro come camerinista all’interno dello stabilimento cinematografico Rizzoli, Nannarè è apostrofata da Alberto Sordi che la desidera provinare per la parte della moglie in “Le vacanze intelligenti”, segmento del film corale “Dove vai in vacanza”. Da quel momento tra i due è amore incondizionato e platonico. Nannarè diventa partner fissa dei film di Sordi (“Mi trovava un ruolo anche quando non era previsto dal copione), ma anche una sorta di angelo custode, una figura a metà tra l’amica, la collega e l’assistente. E’ divertente e divertita Anna Longhi quando prova, con quel suo accento romanesco che vuole perdere neanche tra le pagine di un libro, a descrivere il suo rapporto con Sordi: passare da attrice a confidente dell’attore, ora nei panni dell’amica, ora in quelli della sua tuttofare, vestirlo e stirargli i vestiti un giorno e quello dopo fargli da spalla comica in un film come “Il tassinaro” non sarebbe stato facile per nessun altro. Una confusione di ruoli che chiunque avrebbe vissuto con perfido arrivismo, ma che per Nannarè non è stata altro che la storia bizzarra di chi è stata scelta, per fortuna e per caso, per fare qualcosa che non avrebbe mai pensato di fare.

Mai come in questo libro la struttura e la prosa riflettono il carattere dell’autore: capitoli brevi e divertenti, quadri stilizzati, abbozzati, personalità descritte con poche parole, descrizioni di sensazioni, qui si rifugge il romanzo, ci si allontana da qualsivoglia approfondimento. Nannarè nella sua dolcissima ingenuità può parlare di Jack Lemmon, Philippe Leroy, Claudia Cardinale, Pier Paolo Pasolini, con la levità di un bambino, scrivendo che “Orson Welles era grosso, come Gerard Depardieu” con naturale franchezza e animo puro. Lo stesso animo di cui Albertone pare si fosse invaghito. Di quell’amore inconsueto, amicale, incomprensibile a chi non l’abbia vissuto.
In viaggio con Alberto più che un libro, che una biografia, è un susseguirsi di pensieri in totale libertà. Basti pensare alle pagine dedicate alle ricette romane raccontate dall'autrice.
Un ciclone divertente, dolceamaro, anarchico quanto basta per passare dai camerini della Rizzoli ai set di pellicole hollywodiane, quasi non accorgersene, e restare ancora “romana de Roma”.
Idea regalo per i curiosi a 360°.

2009-08-27T13:12:00.007+02:00

GALLUCCI EDITORE

Gallucci Editore - Sito Internet

Ciné - Vittorio Giacci

2009-08-27T12:58:00.009+02:00

Falsopiano - Sito Internet

Ciprì e Maresco - Emiliano Morreale

Film di Dario Argento, I - Roberto Lasagna, Lino Molinario

Michael Mann - Alessandro Borri

Pasolini - Il documentario di poesia - Marianna De Palma

Visione negata, La - Il cinema di Michael Haneke - Fabrizio Fogliato

2009-08-27T12:27:00.006+02:00

Alacràn Edizioni - Sito Internet

Dragons Forever - Il cinema di azione e arti marziali - Stefano Di Marino

2009-08-27T12:08:00.008+02:00

Archetipo Libri - Sito Internet

Critica cinematografica, La - Metodo, storia e scrittura - Claudio Bisoni

2009-08-26T18:02:00.007+02:00

PHILIPPE GARREL

Autori: Stefano Della Casa, Roberto Turigliatto (a cura di)

Casa editrice: Lindau, Torino, 1994

Collana: Universale/ Cinema

Pagine: 196

Formato: 14x22

Prezzo: 9,81 €

Lingua: Italiano

Indice:

Presentazione, di Stefano Della Casa e Roberto Turigliatto

L'arte del ritratto, di Jean Douchet

La maturità di Garrel, di Adriano Aprà

Anno uno, premiéres notes, di Bernard Eisenschitz

Un innovatore di vent'anni, di Jean Narboni

Attenzione poesia, di Jean-Louis Bory

Journal, Nico, di Carmelo Marabello

L'enfant secret, di Serge Daney

Guardate i nostri film, si avanza senza armi, a mani nude, di Stefano Della Casa

Storie di famiglia, di Alain Philippon

La non essenza dell'amore, di Enrico Ghezzi

La liturgia dei corpi, di Gilles Deleuze

I ministeri dell'arte, di Philippe Garrel

Filiazioni e maestri. Philippe Garrel visto da Henri Langlois, Jacques Rivette, Eric Rohmer, Jean-Luc Godard

Dialogo, di Philippe Garrel e Serge Daney

Artisti e modelle

Pre-sceneggiatura di ”L'enfant secret”

I film

Bibliografia

La sola monografia italiana che omaggi il maestro di J'entends plus la guitare e La cicatrice intérieur risale ormai a dodici anni fa, all'epoca della retrospettiva tributatagli dal Torino Film Festival (che alla sua dodicesima edizione si chiamava ancora Festival Cinema Giovani). I curatori della retrospettiva, Turigliatto e Della Casa, hanno pensato così di realizzare il migliore dei cataloghi possibili. Philippe Garrel, infatti, è l'impareggiabile collage saggistico delle firme critiche più celebri e acute degli ultimi trent'anni (Daney, Aprà, Douchet, Ghezzi, Narboni) nonchè summa multiforme del pensiero e dell'estetica garrelliana espresse in prima persona dallo stesso cineasta nella lunga serie di scritti e interviste che punteggiano il volume (tra le quali brilla l'entretien al solito profondo e illuminante con Serge Daney). Il ricco menu' non difetta né del celebre capitolo de L'immagine-tempo in cui Deleuze erige Garrel a cantore della “liturgia dei corpi” né di un breve ma necessario confronto con i maestri dichiarati (Godard, Rohmer, Rivette), che ricambiano la stima e il sostegno nei confronti dell'enfant prodige con giudizi altrettanto lusinghieri.
Oltre i contributi critici, il libro può vantare tra le sue grazie anche la pregevole pre-sceneggiatura di L'enfant secret (1979) e lo scrupoloso apparato filmografico, accompagnato a sua volta da un'attenta rassegna critica e dalle testimonianze dello stesso regista.
Indicato anche per i fan più esigenti e arricchito da una gradevole tavola iconografica di 20 pagine, Philippe Garrel è senz'altro meritevole di una ristampa aggiornata e accresciuta che permetta di trattare anche i cinque film successivi a La nassaince de l'amour (1993), dove si ferma l'analisi filmografica del libro.

Dario Stefanoni

2009-08-23T22:36:00.005+02:00

IL CINEMA EUROPEO

Autori: Mariapia Comand, Roy Menarini

Casa editrice: Editori Laterza, 2006, Bari-Roma

Collana: Biblioteca Universale Laterza

Pagine: 204

Formato: 14 x 21

Prezzo: 16 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione, di Pierre Sorlin

1. L'identità e la tradizione
- Il cinema, l'identità
- Un cinema tradizionalmente europeo?
- Migrazioni dall'Europa all'America e ritorno

2. America, «americans» e americanate: Hollywood secondo gli europei
- L'immagine (mitizzata) del Nuovo Mondo
- Americanate

3. La forma realista: il cinema europeo e la sfida del reale
- Per un cinema della realtà
- Questo film parla di noi. Il realismo dei temi e dei contenuti
- Tra cinema e civiltà. Il realismo storicizzato
- La macchina della realtà. Il realismo del dispositivo
- Lo spazio vero. Il realismo del documentario

4. Dalla forma al concetto
- Per un cinema astratto, contro la realtà
- L'occhio e la linea. Le avanguardie storiche europee
- Dalle forme alla sinfonia. Il cinema urbano e la divulgazione moderna
- Le ombre della storia. L'espressionismo cinematografico tedesco.
- La costruzione del senso. La scuola del montaggio sovietico.
- Il linguaggio espanso. Le nuove avanguardie

5. L'onda del nuovo nel Vecchio Continente: nuovo cioè free, nouvelle, neuer, novo, novà
- Le rabbie cockney del Free Cinema
- I jeunes turcs della Nouvelle Vague
- L'onda del rinnovamento dell'Est: Nova Vlna e dintorni
- La Neue Welle tedesca: dal Giovane cinema tedesco al Nuovo cinema tedesco

6. Lo specchio del passato, lo spettro del presente: i generi autoctoni
- Commedia all'italiana: the dark side of the boom
- Whisky, tè e pappagalli: le eccentricità vittoriane delle commedie Ealing
- Abissi gotici: gli horror Hammer
- Nostalgie delle altezze perdute: gli Heimatfilme
- La mitologia del fallimento nel polar

7. Verso un modello ideale: i generi d'imitazione
- Il cinema che voleva essere altro
- Vamos a matar: il grande western italiano ed europeo
- Il regno della paura: horror e thriller
- Tra Alphaville e il paese dei balocchi. Fantascienza e tecnologia
- In cerca dei generi, anno zero

8. Poeta, artista, genio: l'autore nel cinema europeo
- Nel nome del padre. L'autore cinematografico e il film europeo
- Il silenzio di Dio e la voce dell'autore. Ingmar Bergman
- Il rigore dei gesti. Robert Bresson
- L'onirismo dei sensi. Federico Fellini
- L'autore come trasgressore. Pedro Almodòvar
- L'ego dell'autore. Nanni Moretti

9. Incontri, osmosi, simbiosi. Le coppie d'autori
- Gli inquietanti scenari espressionisti di Fritz Lang e Thea von Harbou
- Un movimento unico: Michel Carné e Jacques Prévert
- Come il caffè e il latte: il neorealismo di Cesare Zavattini e Vittorio De Sica
- The Archers. «Scritto, prodotto e diretto da Michael Powell e Emeric Pressburger»
- La scrittura surrealista di Luis Bunuel e Jean-Claude Carrière
- Krzysztof Piesiwicz e Krzysztof Kieslowki: la drammaturgia della realtà dentro i fili del telefono

10. Pubblico, industrie e utopie
- Fasti e primi nefasti
- Il silenzio è rotto: dal sonoro allo scoppio della guerra
- Dagli anni d'oro agi anni bui
- Nuovi scenari e vecchie utopie

Bibliografia generale

Indice dei nomi

Indice dei film

La questione è tanto antica quanto annosa: esiste, non soltanto in senso meramente geografico, un cinema che possa dirsi europeo? Oppure, si può obiettare, non è che un'invenzione storiografica o un ingranaggio produttivo da opporre al tetragono cinema made in USA?
Il duo Comand-Menarini, coppia d'assi del DAMS di Gorizia, si lascia poco sedurre – per la fortuna del lettore – da simili questioni, limitandosi ad un capitoletto iniziale che sbroglia sbrigativamente gli assunti teorici. Per i restanti nove capitoletti (di massimo quindici pagine) gli autori, come dichiarato nella nota d'apertura, inseguono “le linee invisibili attraverso cui l'identità europea prende forma attraverso il cinema o viene disegnata dagli stessi cineasti, dagli storici o dagli spettatori”. Una dichiarazione d'intenti che potrebbe scoraggiare, far temere una summa di cinema ed Europa virata verso l'accademismo più esasperante.
Invece, proprio al contrario, la ricerca delle linee invisibili ha come principio-guida la semplicità: dello stile, dei discorsi, dei contenuti, della struttura. Il lettore è condotto per mano nella grande casa del cinema europeo tramite un'esplorazione che non disdegna di frugare tra cantine stipate di cianfrusaglie (il cinema popolare) e vecchie stanze poco frequentate (il cinema dell'Est Europa).
Eppure proprio la semplicità e la leggerezza intaccano la qualità dell'opera che, pur evitando cadute di qualsiasi genere, non riesce ad essere molto di più di un'introduzione estremamente piacevole al cinema europeo. Così, coscienti dei limiti della loro creatura, i due autori hanno corredato ogni capitoletto con una bibliografia di riferimento divisa per argomenti.
La prefazione del prestigioso Pierre Sorlin ha più il sapore di una patente o di una benedizione: di per sé incolore, tocca dei punti che nel volume saranno superati ed approfonditi.
Caldamente consigliato ai novizi: alcune università lo hanno adottato per i corsi di storia del cinema.

Giuseppe Fidotta

2009-08-20T15:02:00.006+02:00

CINÉ

Autori: Vittorio Giacci (a cura di)

Casa editrice: Gallucci, Roma, 2008

Collana: -

Pagine: 355

Formato: 24x31

Prezzo: 48 €

Lingua: Italiano, Francese

Indice:

Prefazione, di Vittorio Giacci

Sorelle latine, di Vittorio Giacci

Coppie indimenticabili, di Gilles Jacob

Paris, Roma, Nice, Torino, Marseille, Milano, Napoli..., Jean A. Gili

Neorealismo e Nouvelle Vague. Una storia di amicizia di lotte, di Jean-Michel Frodon

Il calore dell'abbraccio tra cinema italiano e cinema francese, di Carlo Lizzani

Paris-Roma: un bel viaggio di cinema, di Serge Toubiana

Testimonianze
- Gaetano Blandini
- Veronique Cayla
- Pierre Viot
- Paolo e Vittorio Taviani

Bibliografia

“Io penso – scrive Zavattini in Neorealismo ecc. – che queste due cinematografie [italiana e francese] vadano l'una verso l'altra, che l'una si arricchisca dell'esempio dell'altra, pur conservando la loro tipicità”. Questa la tesi: Ciné a cura di Vittorio Giacci, già direttore generale dell'Ente Cinema e di Cinecittà International, ne è la dimostrazione.
Il volume, nato nel seno delle istituzioni, approfondisce l'esperienza delle coproduzioni tra Italia e Francia, pratica felicissima che, soprattutto tra i Cinquanta e i Settanta, ha infiammato gli schermi mondiali con una sequela di immensi capolavori.
Il lavoro di Giacci continua e colma il discorso aperto quindici anni fa da Tassone e Gili con Parigi-Roma (1995, ed. Castoro), mantenendone in alcuni casi persino le voci (come Gili, autore di un'interessante ricerca sulle coproduzioni ante litteram del primo Novecento) ed ampliandone la portata – inedita è l'impostazione costruita sugli assi portanti di Neorealismo e Nouvelle Vague, e non sulle produzioni destinate al grande pubblico, che propongono sia Giacci che Frodon, direttore dei Cahiers du Cinéma. Sempre Giacci, inoltre, è autore di un intervento prezioso che riesce a sintetizzare la storia delle cinematografie sorelle in una ventina di pagine.
Più leggeri e aneddotici gli interventi di Jacob, direttore del festival di Cannes, di Lizzani, che racconta la sua esperienza da protagonista, e di Toubiana.
Grazie agli interventi finali e ad una completa raccolta di dati economici e legislativi, il volume gode di un innegabile valore accademico. A tal proposito si segnala anche il CD in allegato, nel quale il trio Tassone-Gili-Grossi analizza nel dettaglio tutta la filmografia delle coproduzioni dal 1947 al 2008.
Ma la perla, il vero fiore all'occhiello di quest'opera già di per sé encomiabile, è una sezione iconografica titanica e incantevole: l'appassionato di cinema rischia la sindrome di Stendhal.

Giuseppe Fidotta

2009-08-11T14:25:00.007+02:00

IL FILM NOIR AMERICANO

Autori: Leonardo Gandini

Casa editrice: Lindau, Torino, 2001

Collana: Strumenti

Pagine: 144

Formato: 12x16,5

Prezzo: 8,26 €

Lingua: Italiano

Indice:

Il noir e la critica

Il noir e la letteratura di genere

- Il mistero del falco
- La fiamma del peccato
- Addio, mia amata/ L'ombra del passato
- Il grande sonno

Il noir e il sogno

Spazio e tempo nel noir

Post-noir e neo-noir

Bibliografia

Indice dei nomi

Nella non nutrita bibliografia italiana dedicata al noir (5 titoli in tutto), la monografia firmata da Leonardo Gandini è senza dubbio tra quelle che spiccano per maggior rigore critico e precisione filologica. In primo luogo Gandini pensa a delimitare con cura il concetto di noir al cinema, ne ammette la denominazione d'etichetta a posteriori ma liquida chi denigra il genere accusandolo di essere una mera creazione critica (come Marc Vernet, che ha definito il noir “ready made cinefilo”); dall'altra ridimensiona anche la politica per così dire “espansionista” di Schrader e Durgnat, che rispecchia la concezione comune di un noir inteso come categoria nebulosa e generica in cui poter inserire pressochè qualsiasi film ad ambientazione criminale, compresi i gangster movie degli anni '50 e i cosiddetti post-noir dei decenni successivi.
Gandini preferisce designare con precisione le marche stilistiche e strutturali del genere (il disturbante onirismo, l'incertezza strutturale del soggetto tra realtà e allucinazione, il contrasto espressionista di luci e ombre, il viluppo indistinto tra bene e male) limitandolo, almeno per i primi quattro capitoli, ai soli film noir “classici” degli anni '40, tra i quali vengono passati in rassegna una ventina di titoli esemplari. Anche il secondo capitolo è mosso dal piglio severo del filologo, molto rigoroso ma anche poco indicato per chi cerchi una lettura introduttiva e disimpegnata: in quattro esempi si analizzano le differenze strutturali tra alcuni romanzi hardboiled e i rispettivi adattamenti cinematografici, dimostrando così come il cinema noir abbia saputo formarsi come linguaggio riconoscibile e autonomo anche rispetto alle proprie origini letterarie, da cui si distacca per un ulteriore lavoro di decostruzione temporale e di messa in crisi del soggetto e della realtà in cui si inscrive. Fondamentali i due capitoli centrali, che indagano in modo più tradizionale, ma anche più godibile per il lettore medio, tutti i leitmotifs tematici e stilistici del genere e la particolare concezione dello spaziotempo. Infine, un'appendice che definisce il post-noir come filiazione infedele del genere (un manicheismo decisamente più netto, una messa in scena più controllata, nel complesso “la rivincita della luce sull'ombra”) ritrovando lo spirito noir in ben altri titoli contemporanei che sembrano calzare a pennello nelle condizioni espresse nei precedenti capitoli: Fight Club, Strade Perdute e Velluto Blu (dove l'elemento grazie a cui Lynch riesce ad innovare il genere è proprio quello che ne aveva determinato la morte: il colore).
Solo apparentemente svelto per pagine e dimensioni, Il film noir americano (ristampato nel 2008 con 20 pagine in più), non è da confondersi per un'introduzione semplicistica al genere, considerata la profondità delle riflessioni e la vastità di riferimenti teorici e critici che vi sono contenuti. La lettura non è resa agevolissima dai caratteri di stampa molto piccoli e dalla totale assenza di corredo iconografico, ma a questo punto si tratta davvero di peccati veniali.

Dario Stefanoni

2009-08-11T13:57:00.008+02:00

IL CINEMA POSTMODERNO

Autori: Laurent Jullier

Casa editrice: Edizioni Kaplan, Torino, 2006 (Prima edizione: L'ècran post-moderne. Un cinèma de l'allusion e du feu d'artifice, 1997)

Collana: One Pm (1)

Pagine: 174

Formato: 13,5x21

Prezzo: 16 €

Lingua: Italiano

Indice:

Prefazione, di Simone Arcagni

Introduzione: "Parliamo di calcio"

1. Qualche nozione sulla postmodernità

La postmodernità come contesto
- La modernità in crisi
- Doppio gioco
- Una riscrittura del passato

La postmodernità come stile
- Allusioni e strizzatine d'occhio
- Una finta innocenza

La postmodernità come modalità analitica

2. Film-concerto e immagini digitali

L'immagine-traccia
- Concezione sottrattiva del cinema
- Credere alle immagini

Digitale e sintetico
- Basi tecnologiche
- Sintesi e morphing
- Immagini composite e ritoccate

La tecnologia del suono e luce
- Un bagno di suoni
- L'immagine come supplemento facoltativo del suono

Arte e film-concerto
- Aura e riproduzione meccanica
- Arte e tecnologie del doppio esatto

3. Le figure dell'immersione

Basi tecniche e storiche

Zoom e sightseeing: il corpo assente

Travelling: il corpo sollecitato
- Nuovi movimenti di macchina
- Nuovi standard di proiezione

Immagini da esplorare: il corpo presente
- La realtà virtuale
- Oltre il fuori campo, oltre il montaggio

4. La crisi del racconto classico

Racconto e causalità
- Il concetto di racconto
- Causalità e raccolta dei dati

Quali contenuti per un racconto "a-causale"?
- Caso e accumulo
- Lontano dalla "lezione di vita"
- Un presente continuo

Una filiazione nella storia del cinema? L'avanguardia degli anni Venti-Trenta
- Il cinema puro
- I tentativi "impressionisti"

5. L'effetto di rimando

Nuovo spettatore e cinema "del campo"
- Alla ricerca della sensazione perduta
- La figura della violenza

Le immagini del mondo sotto l'influenza del film-concerto
- Dal lato della fabbricazione: influenza stilistica
- Dal lato della ricezione: crisi della credenza

6. Analisi dei prodotti postmoderni
- Guerre stellari
- Le grand bleu
- Rosso sangue
- Nikita
- Balla coi lupi
- Dancer in the Dark
- Video Runaway
- Video Children
- Una visita a Disneyland

Bibliografia

Filmografia

Indice dei nomi e dei film citati

Nonostante sia giunto in Italia con un colpevole ritardo di 9 anni, L'ècran postmoderne era già noto nel nostro Paese come uno dei testi più citati (se non saccheggiati) dell'intera bibliografia teorica dedicata al cinema contemporaneo, un saggio d'importanza seminale le cui riflessioni sono state poi raccolte, in Italia, da fini osservatori del sisma postmoderno come Vincenzo Buccheri e Gianni Canova. Molti i concetti innovativi espressi da Jullier, tutti destinati a far scuola; tra questi si staglia la teorizzazione del film-concerto, "fuoco d'artificio" audiovisivo di cui risultano fondanti le particolari condizioni di proiezione e l'intensità del "bagno sonoro" della fruizione, a discapito della definizione dell'immagine e della sua comprensione (su cui prevale il cieco “sentire”).
La prospettiva teorica di Jullier sa essere aperta e trasversale (esemplare la cristallina definizione a tutto tondo della condizione postmoderna contenuta nel primo capitolo) riuscendo ad evitare ottusità semiotiche per adottare un attento approccio estetico che arriva a lambire i territori della psicologia della percezione, della sociologia del cinema e della filosofia (Bazin e Deleuze ovvi punti di partenza per dispiegare il dissolvimento dell'immagine-tempo nell'immagine di sintesi digitale). Dal punto di vista analitico, in accordo con lo spirito postmoderno di cui tratta, non si esclude nessuna forma di cinema, popolare o d'autore che sia aggiornando Debord, Baudrillard e Serge Daney all'epoca del morphing e dei registi-manager Spielberg e Lucas (identificati come i primi registi postmoderni in strictu senso). Più macchinoso e prescindibile invece l'ultimo capitolo, forse per la scelta di esempi di postmoderno già datati e superati e per l'inevitabile ripetizione di concetti già esaustivamente illustrati nei capitoli precedenti.
Ad ogni modo, lo stile di scrittura, brillante e mai banale, riesce sempre a mantenersi su toni pienamente intelligibili e su un vocabolario chiaro e alla portata di tutti i cinefili. Jullier, docente di estetica del cinema alla Sorbona, è un accademico anomalo (tra i suoi studi, Star Wars, anatomie d'une saga e un saggio sul rapporto tra Aphex Twin e Lyotard) ma sempre illuminante anche negli interventi più ironici e popular. In questo senso, non fa eccezione la spassosa introduzione scritta dallo stesso Jullier per l'edizione italiana (per l'occasione riveduta, corretta e integrata del capitolo su Dancer in the Dark), una divertente e acuta metafora sulla distinzione tra classicismo, modernità e postmodernità al cinema.

Dario Stefanoni

2009-08-11T12:54:00.002+02:00

Edizioni Mediane - Sezione Cinema Cult - Sito Internet

Federico Fellini - A cinema greatmaster - Gordiano Lupi

2009-08-11T12:47:00.006+02:00

FEDERICO FELLINI - A CINEMA GREATMASTER

Autori: Gordiano Lupi

Casa editrice: Mediane, Assago, 2009

Collana: Cine Cult

Pagine: 305

Formato: 21x21

Prezzo: 25€

Lingua: Italiano, Inglese

Indice:

Introduzione

Infanzia e adolescenza a Rimini

La nuova vita a Roma

Primi lavori per il cinema

Fellini regista, il periodo giovanile

La svolta de La dolce vita

Il capolavoro di Otto e mezzo

Lo sperimentalismo e la libertà espressiva del Satyricon

Il ritorno all'autobiografismo

L'autobiografia lirica di Amarcord

Il mondo femminile secondo Fellini

Le pellicole polemiche e le allegorie sociali

Film non realizzati che diventano fumetti

Le ultime pellicole

Oscar alla carriera e morte di un genio

Fellini tra pubblico e privato

Se c’è un regista italiano che non ha assolutamente bisogno di presentazioni è Federico Fellini. E’ celebre e celebrato a tal punto che molte star di Hollywood, interrogate su quale sia il loro film preferito indicano “La Strada”, pellicola diretta nel 1954 dal talento visionario che più ci hanno invidiato oltreoceano. E’ il regista metacinematografico e autobiografico per eccellenza, è il cineasta che ha sempre portato i suoi sogni nella settima arte, non dimenticandosi di infestare le sue pellicole più blasonate di ben più di un suo incubo ricorrente.
Quando un cinefilo prende in mano un qualsiasi nuovo libro su Federico Fellini la prima domanda che si pone è sicuramente, perché? Perché lo scrittore ha sentito il bisogno di cimentarsi, nuovamente e dopo una letteratura così ampia dedicata al regista di “8 ½”, sull’opera omnia di un regista come il maestro romagnolo? Domanda che si fa il lettore ma che, inevitabilmente, è balenata prima nella mente di chi il libro ha voluto scrivelo. Gordiano Lupi un motivo per scrivere nuovamente del cineasta lo aveva: la scintilla che lo ha messo all’opera non è stata certo una nuova intuizione su chissà quale tematica già dibattuta, quanto piuttosto il desiderio di pubblicare un così vasto numero di fotografie che ritraggono Fellini non solo sui set dei suoi film, ma in tutte quelle situazioni che sono cinema senza essere il momento delle riprese. Conferenze stampa che lo vedono al fianco di Luchino Visconti, un faccia a faccia con Ingmar Bergman, il momento di una dolce coccola fatta ad Anita Ekberg, la sua faccia stupita mentre viene fotografato a Ciampino con il mano la statuetta di un Oscar fresco fresco: più di centocinquanta immagini, quasi tutte in bianco e nero e dalla qualità egregia, riempiono la metà di un tomo che per il restante cinquanta percento è una cavalcata più storica che critica su vita e film di Federico Fellini. Il comparto iconografico stavolta non è un corollario ma la vera ossatura di un libro che per il resto è l’indolore racconto (sia in italiano che in inglese) di una brillantissima carriera, scritto con un interessante piglio aneddotico.

Michelangelo Pasini